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Ver la versión completa : Un Punto y Aparte: El Anime Después de Miyazaki



tania12
08-02-2015, 06:01:42
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A principios de 2014, recibíamos la noticia de que Studio Ghibli se tomaría un largo descanso en hacer películas de animación tras la salida de uno de sus directores más queridos mundialmente. Aunque los detalles de tal noticia eran bastante vagos, Hayao Miyazaki habló finalmente sobre el futuro del estudio, tras recoger su Oscar honorífico por su trayectoria profesional (2015).

"En este momento, no estamos haciendo una nueva película. Creo que no vamos a hacer ninguna película para estrenarse pronto en los cines. Sin embargo, esa no era mi intención. Todo lo que hice fue anunciar que me retiro. Si los creadores tiene la intención de seguir haciendo animación dibujada a mano, no hay duda de que tal animación siga porque va a haber oportunidades para ello. Pero lo que podría ser una gran dificultad sería las consideraciones financieras. Creo que el lápiz y el papel está llegando a su fin".

Vale, ¿y ahora qué? Con Miyazaki, Takahata y Suzuki con pie y medio fuera, como quien dice, parece que Studio Ghibli se queda sin referentes. Pero no es tanto así.
Los últimos movimientos y anuncios avanzan que muy probablemente todos los pasos van en la dirección de que Goro Miyazaki se convierta en el nuevo hombre fuerte de Ghibli. Se deduce cuando se apuesta definitivamente por él con varios proyectos en el horizonte. Aunque las declaraciones de Miyazaki cuando le preguntaron por el futuro de Ghibli nos dejan de piedra: "Lo veo negro, la verdad, muy negro".

El último estreno, Homohide no Marnie, segunda película del "otro" posible sucesor, Hiromasa Yonebayashi (karigurashi no Arriety, 2010) recaudó alrededor de 45 millones de dólares, sobre los 22 millones de presupuesto de la película. Se puede considerar una película rentable, sin embargo, estas cifras no pasan de ser "normales" o estar dentro del mínimo esperado, si contamos que otras producciones "no Miyazaki", como Kokuriko-Zaka Kara (Goro Miyazaki, 2011) han llegado a los 55 millones.

Pero, ¿qué pasará a partir de ahora? ¿Cómo afectará el retiro de Miyazaki a la industria? ¿Seguiremos hablando del anime en términos de "cine"?
Para saberlo, daremos un repaso a algunos de los nuevos talentos surgidos en la última década, además de las nuevas tendencias aparecidas, como CGI Anime y Anime 3D-Live, o la resurrección de viajas glorias adaptadas a nuestro tiempo.



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La obra de Miyazaki ofrece un sinfin de posibilidades, tanto temáticas como fantásticas. Todas ellas conforman un escalafón en el que cada una de sus películas posee una personalidad propia, y al mismo tiempo, todas ellas se hayan hermandadas por una serie de factores y cualidades que definen la personalidad del maestro.

Independientemente de las referencias autorales, el cine de Miyazaki posee un lenguaje propio; sus héroes, en su mayoría femeninos, suelen tener un marcado caracter, o a falta de tenerlo, las historias qe cuentan les hacen madurar en ese aspecto. El llamado "viaje del héroe" se utiliza como base del desarrollo de esos héroes infantiles que emprenden su viaje iniciático con una experiencia desnuda, que a medida que avanza la historia, van desarrollando hasta alcanzar una madurez psicológica, superando las barreras y dificultades que atraviesan en su viaje. Es ese aspecto, los héroes de Miyazaki se vuelven muy humanos. Sus historias no se construyen sobre "buenos y malos", sino que esas diferencias que presentan sus personajes en el mundo fantástico que les rodea, se ven solventadas por la interacción entre ellos y la misma historia que los envuelve.

Forjado como intercalador de animación en los estudios Toei, Miyazaki se ha mantenido siempre fiel al trabajo artesanal y al sentimiento de cercanía que nos provoca la animación tradicional. Su estilo es una mezcla única de Shoujo, Shounen y Kodomo. Ecologista y socialista declarado, muchas de sus obras son un reflejo de sus obsesiones de toda la vida. Su amor por la aviación, las creencias sintoistas, el ecologismo, la aversión a la guerra y el respeto tanto hacia la figura femenina (siempre de marcado caracter independiente y espiritual) como a la tercera edad, son algunos de los temas que se pueden atisbar en todas sus películas.



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La esperanza de futuro del estudio Ghibli recae en estos momentos sobre estos dos hombres.

Goro fue propuesto para subirse al barco de este popular y emblemático estudio por la esplendorosa figura de su padre; pero no sólo es para ensanchar el capital humano del estudio, sino que tiene el claro propósito de pensar a futuro y empezar a definir a los sucesores de los afamados fundadores: Hayao Miayazaki e Isao Takahata. Dejando en claro que el proceso no es nuevo, y el mismo comenzó a finales de la década de los 90’s con la incursión de Yoshifumi Kondō (Whisper of the Heart), de quien se esperaba, a futuro, se convirtiera en uno de los grandes nombres del estudio, hecho que se confirmó con la declaración de retiro de Hayao. Lamentablemente ya conocemos la historia: Yoshifumi murió por exceso de trabajo, lo cual hizo regresar del retiro a Hayao en 2002.

A pesar de un comienzo regular con su polémica y desatendida Gedo Senki (2006), nadie se esperaba que sorprendiera con su segundo largo, con una historia de corte costumbrista. Kokuriko Zaka Kara es, sin duda, una obra mucho más sobria y de mayor proyección que su primera incursión, y pese a este peso agregado, Goro se comporta a buena altura y logra depurar los principales problemas que originó su nula experiencia (claro, con un pequeño empujoncito de su padre, que formó parte el dúo guionista), para dar vida a una historia mucho más compacta y mejor realizada. Y si bien no es un alarde de genialidad, sí es una película de una calidad bastante superior, que deja entrever una plausible evolución como director.

Actualmente, Goro se haya sumergido en el proyecto que supone una vuelta de tuerca para el estudio: Sanzoku no Musume Ronja, la que sería la primera serie animada del estudio. Esta producción deja a las claras la continuidad de la senda, por una parte de corte fantástico y por otra costumbrista, elementos clave de sus dos co-fundadores, envueltos en el clásico relato iniciático con protagonista femenina. En lo técnico, podemos atisbar una evolución, al utilizar la animación 3D para unos personajes de diseño clásico, haciendo entender la intención del estudio por explorar nuevas técnicas de animación.

Por otra parte, está la presencia de Yonebayashi, de dilatada experiencia como animador principal en varias de las mejores producciones de Miyazaki. Este joven director-animador comenzó con muy buen pie con su ópera prima Karigurashi no Arrietty (2010), recibiendo fabulosas críticas, con lo cual recibió el visto bueno para formar parte del recambio generacional que tanto problema le está dando al mítico estudio de animación. Y ahora, con su nueva incursión animada, When Marnie Was There (2014) nos llama nuevamente la atención. Ojalá consiga mantener el listón donde lo puso y nos saque del sombrero otra buena película bajo el sello Ghibli.
Este fabuloso drama fantástico sobre fantasmas y almas gemelas, que será el primero en incluir como tema principal una canción en inglés (Fine out the outside, Priscila Ahn), se nos hace de lo más prometedor; "Es una obra llena de sentimiento, nostalgia, y que puede hacer llorar a más de uno. Hiromasa hará volar al estudio hacia una total madurez narrativa y formal."




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En 2001 Studio Ghibli anunciaba que Mamoru Hosoda, director ajeno a la casa, algo poco común, se ocuparía de la dirección de su nuevo proyecto, ‘El castillo ambulante’. Poco después de comenzada la producción, Hosoda abandonaba el proyecto, sin querer entrar en excesivos detalles de su falta de entendimiento con el equipo de Ghibli, y el propio Miyazaki asumía la dirección. Lo cierto es que, como bien apuntaba Laura Montero en su reciente ensayo ‘El mundo invisible de Hayao Miyazaki’, Hosoda habría podido ser un gran activo de Ghibli por su ya comentada tendencia hacia un cine familiar, pero la libertad creativa que le ha ofrecido Madhouse ha beneficiado, sin duda, a su carrera.

Por encima de su demostrada capacidad para generar secuencias fascinantes, de las que en general el anime suele ir sobrado, el poder de las películas de Hosoda reside en la calidad de sus historias y, aún más allá, en el desarrollo de sus personajes. Por encima de sus juegos con las convenciones del género, en su cine late un apego al sentido de la familia, que alcanzará su culminación, por el momento, en la historia de ‘Wolf children’.

El cine de Hosoda, frente al de otros directores de anime japoneses cuya ficción crece en el terreno de la pura fantasía, posee un profundo anclaje en la realidad y lo cotidiano. A partir de esa base, sus trabajos se liberan para saltarse las reglas del espacio-tiempo (‘La chica que saltaba a través del tiempo’), construir hacia lo digital (‘Summer Wars’) o hacia el cine fantástico (‘Wolf children’). Esta capacidad de Hosoda de establecer una línea de coherencia que le permita saltar entre diferentes terrenos sin chirriar afecta también a su tratamiento de los géneros. Así combina con naturalidad en una misma película el la intimidad costumbrista a lo Ozu con los viajes en el tiempo o las realidades digitales alternativas o pasa del melodrama a lo Douglas Sirk a la comedia y de ahí a las metamorfosis en ‘Wolf children’.

Mamoru Hosoda posee ya una una filmografía que, aunque corta, cuenta con tres obras maestras indiscutibles (sus premiaciones en Sitges y en los Japan Academy Awars en estos tres casos, así lo atesoran), y un estilo bien definido. No en vano, se ha ganado el apodo de "nuevo Miyazaki".
Su próxima gestación, The Boy and the Beast nos asegura que este nuevo genio tendrá una trayectoria muy prometedora.




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Makoto Shinkai es sin duda uno de los directores de anime más sobresalientes de la actualidad. Su estilo único y bien definido sigue una línea muy particular que ha logrado estampar en cada uno de sus trabajos. Sus obras son, por decirlo así, un reflejo de su propia vida, o al menos de la vida de un mismo personaje, pues sus historias siempre giran en torno a parejas relacionadas por amor, compañerismo o amistad, cuya relación se ve impedida por el tiempo y la distancia. Además, casi siempre se ubica en aldeas o poblados pequeños alejados de las grandes urbes.

Lo que podemos encontrar en sus animaciones son impecables efectos, geniales diseños, música inigualable y gran calidad visual, además de historias enternecedoras que exprimen la emocionalidad de los protagonistas y temáticas que recurren al drama y separan a dos consolidados amantes, viejos amigos o florecientes romances de la infancia. Y aunque sus películas están hechas para un público muy específico de la sociedad japonesa, las temáticas que abordan son un tanto universales y esto ha permitido la creciente internacionalización de su trabajo.

En todos los trabajos de Shinkai podemos apreciar cuatro símbolos muy recurrentes que se vuelven una insignia muy característica de sus animaciones: los gatos, los cielos con nubes, los trenes y las hojas de cerezo. Aspectos clave que representan, además de su sello particular, la parte simbólica de sus creaciones. Shinkai muestra una verdadera obsesión pictórica por la representación del mundo que le rodea en su sentido más poético, y esto podemos verlo en la belleza de esos decorados y paisajes rurales, en esos cielos que muestran el infinito y esos atardeceres veraniegos tan característicos de Japón, en su paleta de colores, y también en las escenas más cotidianas de sus personajes.

Una peculiaridad que podemos apreciar en Hoshi no Koe, Kumô no Mokû Yakusoku no Basho y Cinco Centímetros por Segundo, es el hecho de que todas se basan en las relaciones amorosas a larga distancia. Sin embargo, Makoto nunca tuvo la intención de presentar el mismo tema en sus animaciones, lo que trataba de ilustrar era un tema similar desde diferentes puntos de vista, según lo que él mismo explicó en una entrevista realizada en Inglaterra en el 2008. Independientemente de la temática recurrente, el interés de Makoto radica en mostrar cómo las diferentes formas de comunicación entre dos personas pueden afectar su relación.

Tras haberse dedicado a trabajar estos últimos tiempos en la realización de varios cortos animados con fines comerciales, ahora el reconocido director japonés se centrará por completo en su nuevo proyecto, dedicándose por completo a él todo este 2015. Shinkai comentó que quiere con esta nueva película una obra más agradable, más bella e ir más allá de cualquiera de sus anteriores trabajos.



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Shinji Aramaki fue diseñador mecánico antes que director. Sus primeras contribuciones en diseño mecánico se llevaron a cabo en la primera serie de Transformers, en la serie Mospeada, en M.A.S.K. y en Megazone 23. Si les parecen conocidas algunas de estas series de su pasado, comprenderán entonces la importancia de este callado pero talentoso diseñador.
A él debemos el término Anime 3D-Live, acuñado por primera vez en la nueva adaptación del manga de Masamune Shirow realizada en 2004, Appleseed the Begining. Se podría decir que la trayectoria de este señor, desconocida hasta ese momento, se divide en dos etapas, pues fue con esta fabulosa adaptación y su posterior éxito en USA cuando su nombre se dió a conocer realmente.

La animación de Aramaki es más bien comercial, algo que ha propiciado el hecho de que el anime japonés se ha vuelto con los años más internacional, más competitivo digamos con los gigantes americanos Pixar y Dreamworks, gigantes que ahora denotan sin embargo de esa fórmulación regastada que pareció hace años la propia Disney.
Las últimas creaciones de Aramaki suponen una equitatividad con ese estilo hollywodiense que derrocha creatividad artística y perfeccionismo téctino que suele lastrar con argumentos poco elaborados y personajes no demasiado profundos, cualidades sin embargo que nunca ha faltado en la mejor cinematografía anime.

Sin duda podemos considerar a Aramaki como el director blockbuster de la animación japonesa. Solo cabe esperar que ese derroche visual que atesoran sus producciones desenboquen en un futuro próximo en algo con más contenido narrativo pero igual de sorprendente e innovador.



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Cuando hablamos de tendencias, no siempre nos referimos a "innovación". Desde hace un tiempo, y al igual qe ocurre en occidente, la tendencia es recuperar viejos clásicos y adaptarlos a las nuevas tecnologías aplicando también un lavado de cara.
Aunque esto pueda achacarse a una falta de ideas de la industria, no hay duda de que en el caso del anime también se hace pensando en su público objetivo.
El ejemplo más claro lo tenemos en la franquicia Dragon Ball. Toei se ha propuesto relanzar este clásico ya inmortal con una nueva serie de películas de alto presupuesto que alargan la mitología de sus personajes en lugar de seguir contando historias paralelas o alternativas a la serie original. Con todo esto, nos encontramos con un renacimiento en toda regla que justifica sobradamente su intención original de "revisionar" la vieja franquicia.

No es algo nuevo, bien es cierto, si tenemos en cuenta la costumbre japonesa de recompilar, readaptar e incluso "alargar" los argumentos de sus series más exitosas. Desde luego, el fan nunca se queja, y si no que se lo digan a Kazuya Nomura (http://www.koi-nya.net/2015/01/08/la-nueva-pelicula-de-ghost-shell-ya-tiene-trailer-e-imagen-promocional/).

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En los últimos años diversos autores han tenido su oportunidad de destacar. Podríamos nombrar a un par de ellos que han sabido aprovechar esas oportunidades.

Keiichi Sato nos sorprendió hace poco con su primera película, Asura (Asura, 2012), en la que se atrevía con una técnica 3D basada en gruesos contornos y una sensación muy pictórica. Sato recalcaba su demoníaco engendro con una historia sombría y melancólica, hablando sobre la naturaleza salvaje del ser humano, casi sin cortarse ni un pelo. Su notable contribución le valió el apoyo de la Toei para dirigir dos años después la nueva adaptación de Saint Seiya a modo de largometraje, Saint Seiya: Legend of Sanctuary, 2014, en la que demostró de nuevo su buen hacer esta vez de un modo más académico y comercial.

Otro gran desconocido y que sin embargo tiene en su haber dos largometrajes de lo más notable, además de ser el responsable de la mayoría de películas realizadas de Shinchan es Keiichi Hara. Con un estilo quizá más infantil pero sin duda tan personal como el de los "grandes", fue reconocido por la Academia en sendas ocasiones aunque fuera tan solo con nominaciones; Kappa no Ku To Natsu Yasumi, en 2007 y Colorful, en 2010.
Es quizá en esta segunda en la que se destapa y se nos muestra como un narrador más adulto, abordando temas políticamente incorrectos a través de un drama familiar. Su última creación pendiente de estreno, Miss Hokusai, 2015, promete seguir esta senda de "contar historias acerca de la sociedad y sus normas y acciones morales" esta vez basándose en la historia real de un famoso pintor y su hija.

También viejos conocidos, como el famoso ilustrador Yoshitaka Amano, famoso por la creación y las ilustraciones de Vampire Hunter D, entre otros, harán su debut como directores. Yasuhiro Yoshihura ya lo hizo con "su" Patema Inverted, proyecto nacido a partir de una miniserie de cortos on-line, pero en el caso de Amano éste irá más allá de un simple debut; Deva Zan, título de su película, será como ver una de sus ilustraciones cobrando vida por medio de novedosas técnicas digitales, llevando un poco más allá la suerte de los nuevos lenguajes artísticos qe se producen en el anime últimamente, como fueron el caso de, por ejemplo, Mind Game,, Appleseed the Begining o The Tale of Princess Kaguya.

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Alejándonos del archipielago, no podemos olvidarnos de "esa" nueva animación que se lleva produciendo desde hace pocos años en el continente, y que resulta altamente competitiva.
Corea del Sur se ha destapado en los últimos 15 años como un gran productor de animación de calidad. No es para menos si tenemos en cuenta su dilatada experiencia realizando animación intercalada para producciones y series niponas, y eso es algo que han sabido aprovechar.
Podríamos mencionar muchas; Mari Iyagi, 2004; Wonderful Days, 2003; Achii and Ssipak, 2006; Yobi the Five Tailed Fox, 2007; Green Days, 2011; The Satellite Girl and Milk Cow, 2013... etc. El mundo de la animación y del cine empezaba a mirar con detenimiento a un país que había sido un gran desconocido hasta entonces, y el cine coreano no iba a quedarse por más tiempo a oscuras para no ser visto.
Los productores surcoreanos optaron por invertir en el cine de animación a pesar de ser algo que todavía hoy se entiende como un producto infantil dentro sus propias fronteras. De esta manera, la cinta Wonderful Days (Moon-saeng Kim, 2003) se convierte en el faro destinado a atraer todas las miradas. Se trata de una producción ideada en el año 1995, comenzada en 1998 y terminada en el año 2003, con un coste de ocho millones de dólares que la convierte en la película de animación más cara de la historia de Corea del Sur. Habiendo sido pensada como un producto internacional que se estrenó en diferentes países, entre ellos España, y con pretensiones de competir mano a mano con el anime japonés.

Yeon Sang Ho, director que nos ocupa, es un heredero del cine de animación independiente y políticamente combativo formado en los años ochenta alrededor del Grupo Minjul. Desde su productora DADA Show, este director lleva a cabo sus proyectos de manera autogestionada. El estudio fue fundado para la realización de The King of Pigs a causa de las negativas de varios productores de invertir en el guión que Yeon Sang Ho les presentaba. A pesar del reconocimiento nacional que obtuvo The King of Pigs, el deseo de Sang Ho de contar historias adultas que denunciaran diversas situaciones propias de la sociedad coreana (y de cualquiera) le han mantenido fuera de los círculos comerciales de la animación coreana, razón por la cual su segundo largometraje, The Fake, se realizó en las mismas circunstancias que su primer trabajo. Podemos decir así que, el "cine" de Yeon Sang Ho es "muy surcoreano".
Sang-ho Yeong parece avisar en su segunda cinta sobre los peligros de aquellos que buscan un negocio en la fe y la desesperación de los demás, y no duda en mostrarnos un pueblo desesperado mientras es desvalijado por un grupo de estafadores. En el constante discurso que establece en la película entre la modernización y la vida de los pequeños pueblos, superpone también el conflicto entre ciencia y fe.
Este año estrenará Seoul Station, su nuevo retoño destinado a "hacer arder" los Festivales de medio mundo con una nueva crítica social revestida de género fantástico zombie, recurso harto utilizado para criticar los peligros de una sociedad altamente competitiva y deshumanizada en la que, literalmente, unos se comen a otros, con la diferencia de que Sang Ho ya nos a acostumbrado a que podemos esperar una grata sorpresa de su trabajo.

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En China tenemos un caso diferente; no hay "directores" pero hay producción. A pesar de que China es ya el segundo mercado audiovisual del mundo y sus expectativas de crecimiento parecen no tener límite, el país achaca aún una preocupante falta de creatividad en este sector. La industria del cine de animación ha sido hasta el momento una de las menos innovadoras, y eso a pesar del hambre y afición por el cine de animación que existe en el gigante asíático.
Uno de los estudios más creativos y ambiciosos del cine chino, Vasoon Animation, afincados en Pekín, acaban de estrenar Kuiba III, tercera parte de un titánico proyecto con influencias claras del manga japonés Naruto y mucha fantasía épica con ambientación medieval. Desde hace más tiempo preparan God Hunters y Ksitigarbha, interesantísimas propuestas dirigidas a un público más adulto, con conceptos y estilos de animación nunca vistos en el cine comercial de China.

Tampoco podemos dejar de hablar de una curisa producción agena a este estudio y que tiene preparada su proyección este mismo año.
Da Hai (Gran Océano), o Big Fish & Chinise Flowering Crabapple, asienta sus bases en una historia que puede recordar a El Viaje de Chihiro, pero ciñiendose a una mitología más nacional.
Da Hai es un proyecto que nos llega de manos de Liang Xuan, un ingeniero frustrado que no solo ha logrado atraer la atención de espectadores de todo el mundo, sino también su apoyo económico "vía crowdfunding". Sin duda, se trata de una de las producciones más prometedoras de los últimos años, en la que la pictorización de la minoría Hakka sirve como excusa para viajar a los reinos de la fantasía.

Volviendo al archipiélago, y echando un poco la vista atrás no podríamos terminar sin mencionar a un maestro que, aún después de habernos privado tristemente de su talento, todavía dará que hablar en un futuro.


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Satoshi Kon se fue sin haber terminado su última película. Cuando se anunció el fallecimiento del director y mangaka a causa de un cáncer de páncreas, se comentó que una de sus obras, Yume Miru Kikai -The Dreaming Machine para occidente-, estaba aún en desarrollo y, por lo tanto, su continuación quedaba en el aire.
Gracias a la breve nota depositada en el blog oficial de la película ha podido saberse que será concluida y lanzada al mercado. Una noticia que nos da luz entre la desgracia de lo ocurrido, un regalo para despedir al maestro como más se lo merece: disfrutando de aquello por lo que él ha trabajado desde que se iniciara en el mundo de la animación con Perfect Blue.

The Dreaming Machine es un largometraje animado de aventura, fantasía y ciencia ficción enfocado a un público más joven que al que habitualmente nos tenía acostumbrados su director. Aún desconocemos los detalles sobre el argumento de la película, salvo algunos fotogramas y cells de animación que se han distribuido. Lo que sí parece claro es que su estética estará en la línea de títulos como Robots (Chris Wedge, 2004). No obstante, desde producción se aseguró que todos los seguidores del maestro que hayan visto sus anteriores películas también podrán disfrutarla. Una aventura que sólo tiene cabida para robots (no habrá humanos), es decir, una robo-road movie.
Pero, 5 años después de su muerte la película continúa en la incertidumbre. ¿Llegaremos a ver su última obra maestra? Desde luego, Madhouse sabe que él lo quería así.




http://i61.tinypic.com/zthzky.jpg (https://www.youtube.com/watch?feature=player_detailpage&v=oISy7WX0lAI) http://i60.tinypic.com/2qd79qc.jpg (http://www.filmaffinity.com/es/film612303.html) http://i57.tinypic.com/16i884w.jpg (http://www.filmaffinity.com/es/film677957.html) http://i62.tinypic.com/2dca8et.jpg (http://www.filmaffinity.com/es/film671023.html) http://i62.tinypic.com/119xhzm.jpg (http://www.filmaffinity.com/es/film598821.html)


En conclusión, el cine de animación asíático goza de buena salud (https://www.youtube.com/watch?feature=player_detailpage&v=DNL4bxEs_PE). No deberíamos entonces tener miedo de la retirada de Miyazaki, pero tal vez, aunque el sentimiento de Ghibli sea lo contrario, este cambio les ayude a crecer como estudio, sin depender tanto de sus fundadores. Abrirse a nuevos caminos y lenguajes y dejar de esperar que su gran director los saque del apuro. Por supuesto la obra de Miyazaki es y será su gran aportación a la industria; sin duda los años pasarán, pero sus películas no dejarán de ser un gran referente, tanto para los futuros maestros como para el mundo del cine.

http://i1341.photobucket.com/albums/o749/AnimeAT/12A/Banners/TNKS2_zpsbjxlroau.png

davidn33
16-03-2015, 17:40:47
¡Hola!

¡Gracias por ésta y por todas las maravillosas publicaciones de este aniversario en la Zona Anime! ¡Un lujo!

Aunque este año pasado ha sido muy bueno en animación japonesa, yo tengo clarísimo (ya la he votado) que la que espero como loco es Seoul Station, de Yeon Sang-ho. Este tío me tiene absolutamente ganado, no sólo por sus películas, sino, como explicas tan bien, por su forma autoproducida de trabajar. :nod:

:wave::wave:

albano23
16-03-2015, 18:28:42
Hola a todos/as:

Esta parte, del especial anime, me la leeré con calma, porque esta muy interesante.- Gracias amiga, Tania12 y a todo el equipo de anime, del foro, por esta clase magistral.-

Gracias Miles.-

SALUDOS ALBANO23.-

javifelices
16-03-2015, 19:23:35
Buenas peña.

Que gran lectura, hay que quedarse con la conclusión, la estamos viendo ya, hay cosas y buenas, cada una con su estilo y sello, en historia, animación, argumento, música.... el resto ha sido, es y será historia viviente, hablo del maestro, claro.

Con muchas ganas principalmente de The Dreaming Machine, siempre tendremos esa espina de las cosas que nos podría haber ofrecido Satoshi Kon, la vida sigue y el show debe continuar. También esperando el próximo proyecto de Makoto Shinkai, otro de esos genios.

Un saludo y gracias.

Emiily666
16-03-2015, 19:28:38
Siento que llegará el próximo aniversario y yo aún no termino de ver todo lo que han publicado, para mi el cine animado es sin duda otro nivel, con historia profundas y que a veces te hacen cuestionar para qué publico va dirigido esto, y sin duda su mejor característica es como saben llevarte a esos mundo fantasiosos los cuales parecen tan reales.

Personalmente estoy muy agradecida de la Zona de anime por tanto esfuerzo, yo, debo tener al menos 20 años de mi vida (que es casi toda xD) viendo anime y jamás me cansaré. Es algo que ya es parte de mí y me alegra que de hayan publicado tantas cosas geniales, las cuales espero poder ver todas.

De las películas mencionadas obvio he visto unas cuantas pero mi faltan otras tantas. Para mí Hayao es y será siempre un genio, y no es raro que una de mis películas favoritas de animación japonesas sean de él.

De las próximas películas sé muy poco la unica que espero como loca es la de Psycho pass y es que el anime de FASCINO! No tiene desperdicio. Ese mundo utópico que todos deseamos tiene un precio más caro de lo que imaginan.

Felicidades Zona de Anime!

rocknard
16-03-2015, 23:01:15
Genial entrada. Seguramente me haya dejado alguna sin ver (raro). Todavía no sé dónde buscar estrenos de cine de animación asiática (¿alguna pista?).

Judit_1981
16-03-2015, 23:19:32
Muchas gracias!!! Yo la que espero con sinceridad, por su argumento, es Miss Hokusai, ese tipo de historias me gusta... gracias de nuevo...

NataJang
17-03-2015, 12:58:35
¡¡Qué bueno está esto!! Me guardo esta publicación, que sin saber nada de anime, me ha encantado. Veo que tengo mucho que agregar a mi watchlist :coffee:.

tania12
17-03-2015, 14:52:46
Disculpen las molestias si a alguien más le sale sin imágenes-enlace, Photobuquet y Tynipic llevan horas fallando :whistling:

NAZO
18-03-2015, 00:56:23
Excelente aporte¡¡

Peanut
27-04-2015, 04:54:40
Trailer de Miss Hokusai
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onessan
20-08-2015, 19:02:59
Vaya por delante que no las he visto todas.... pero por esa concepción pictórica que me toca de cerca... diría Makoto Shinkai (todavía recuerdo "Kotonoha no Niwa/The Garden of Words"...pura poesia visual. No tanto su guión, pero su imagen es hipnótica).
Gracias por el sugerente aporte...Esto me recuerda la lista que tengo pendiente. Fantástico trabajo. Enhorabuena.

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