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Tema: Clásico del Mes

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    Predeterminado Clásico del Mes





    ¡¡¡Yo, tú , él , somos presos de la novedad!!!
    ¡¡¡Esclavos de la actualidad!!!
    ¡¡¡Tus ojos y tu mente necesita respirar aire de libertad !!!
    ¡¡¡Necesitamos poder ver, pensar y disfrutar con algo auténtico!!!
    ¡¡¡Y eso es lo que queremos aquí !!!
    ¡¡¡Tu dosis mensual de PURA LIBERTAD AUTÉNTICA!!!
    ¡¡¡ Los clásicos te darán la libertad visual !!!







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  3. #2
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    To Live / Ikiru (1952)






    Película de 1952, de casi dos horas y veinte minutos, donde un funcionario, de atención al ciudadano, en un ayuntamiento nipón, intenta cambiar su forma de vida, al conocer, que tiene un cáncer fulminante de estomago, y que sólo le quedan seis de meses de vida. La producción, fue la primera colaboracion de Kurosawa con el guionista Hideo Oguni, donde Akira, decidio que un hombre debia morir en 75 dias y que daba igual la profesión. Los guionistas consultaron, la obra de Tolstoi, "La muerte de Ivan IIiych" y de ahí salio, que el protagonista moria a mitad del filme. Otro aspecto fue la canción, Kurosawa menciona la letra de "Gondola no Uta", pero nadie sabia del asunto, asi que consultaron a la persona mas mayor, en el resto de letras de las canciones y el título de la canción, valga la redundancia princial. En principo, se iba a llamar "La vida de Kanji Watanabe", pero a Oguni, le pareció demasiado pretencioso y Akira, le puso finalmente "Ikiru" (Vivir).

    Dicho todo esto, el filme, es una denuncia total, a tres aspectos totalmente actuales, ya no sólo en Japón, sino en el resto del planeta y sociedades occidentales:

    1) La vida de las personas mayores, que no cuentan para nada, al protagonista, la unica mujer, de su departamento, le llama "Momia", el hijo y su nuera, le quieren quitar todo, y el hombre se siente totalmente sólo. Otro aspecto, es el de salud y como los médicos, no quieren o pasan olímpicamente de los pacientes diciéndoles mentiras en referencia su enfermedad. Genial la escena, donde otro patencia le relata, los sintomas del cáncer
    2) La corrupción en todos los niveles de la buracracia estatal, donde se ve el periplo, de las mujeres de un barrio, que se quejan del problema de unas aguas fecales, que afectan a sus vidas y las de sus familiares incluidos sus hijos/as, donde pasan por todos los departamentos y nadie les hace caso, incluido en un principio el mismo.
    3) El como el hombre, quiere salir de una sociedad encorsetada, y donde el escritor de novelas baratas y la ex empleada de su sección, le dan ese "Ikiru" (Vida), del título, de la producción, haciendo cosas, que nunca hizó antes, por temores al que dirán o centrándose sólo en el trabajo, como menciona acertadamente el narrador de la película. Ese periplo nocturno o las salidas con la ex empleada, es a mi modesto entender, es su libertad antes, de morir, el sentirse vivo, en una sociedad agobiante.

    Las interpretaciones, son excepcionales, Takashi Shimura, hace para mi, el papel de su vida, con su carácter en principio timido y apocado, que se va transformando, cuando decide, construir un parque, para ese barrio, para así remidir, su papel insginificante en el ayuntamiento y la vida. El coro de secundarios es excepcional, mostrando toda una ristra de hipocresia, que ahora relataré.

    Esa hipocresía esta, en cuando ya muerto, el protagonista todos discuten en la larga escena, del funeral, donde se ve la bajeza de todos, quitándole méritos, por la construcción del parque y conforme se van emborrachando (Algo normal, en los funerales japoneses), van soltando las realidades y corruptelas del poder público, y se dan cuenta, que son sólo péleles en manos de los poderosos, pero realmente el alcohol, les hace soltarse, pero saben como se ve en el final, con un nuevo jefe, el subalterno, del protagonista, en un caso similar, al del barrio, hace lo mismo que su jefe muerto, al príncipio, pero este al contrario, que él, no hará nada, porque es joven y esta sano, incluso, el único que lo defendio en el funeral, agacha su cabeza, porque sabe, que no tiene poder, y la corrupción vuelve empezar, cuando nunca se fue, por culpa de funcionarios como ellos, incluido él (Me refiero al defensor, del protagonista en el funeral). Genial ese final donde se sienta y los papeles de casos sin atender, cubren su mesa (Algo, que se ve en todas las oficinas, y que también se muestra al príncipo, cuando Watanabe, limpia su tinta en la portada de un proyecto, que el tenía en mente, cuando era joven y entro en la coorporación municipal).

    En resumen y para concluir, el filme refleja, como los salaryman (Que somos la mayoría), no alzan su voz, para cambiar un sistema, porque este mismo, nos desvia, de ello y a base de no protestar, nos domina por completo. Producción totalmente actual, y de obligado visionado. Aunque si prefieren un mejor compendio, esta la letra de la canción, que canta en la escena, del columpio (Es decir la principal, que sale también, en uno de los clubs, donde el escritor le lleva).

    No deben perdersela, y si se me permite, palabra de ALBANO23.-




    Aquí tenemos al Kurito!!! Con 42 añetes y en la flor de la vida creativa. Casi en el punto intermedio de su carrera y dos añitos después de filmar "el bombazo" RASHOMON (1950),que le dio reconocimiento al ganar el león de oro del Festival de Venecia de 1951. Y como no el año siguiente para no estarse quieto pues EL IDIOTA (1951), portentosa versión del clásico de Dostoievski.
    IKIRU fue inscrita en la sección oficial del Festival de cine de Berlín, y aunque nominada para el oso de oro, fue finalmente la cinta de David Lean HOBSON’S CHOICE (“El Despota” en España) interpretada por Charles Laughton, la que consiguiera el galardón. Kurosawa recibió, eso si, el premio especial del público,estaba en racha el tío !!!.

    La peli realizada en 1952 y ambientada a finales de los años cuarenta, Ikiru,( título original) nos envuelve en el escenario de la época de la posguerra, en plena reconstrucción económica de Japón. Y refleja la pasividad de una administración, la japonesa, que no era capaz de solucionar los muchos problemas que tenía la sociedad nipona en esa época de posguerra...funcionarios en España???...

    Se estrenó el 9 de Octubre de 1952 en Japón y se estrenó en potros países mucho más tarde, y eso que ya era conocido el Tito Kurito!!!
    -Alemania Occidental 25-03-1965
    -EE.UU. 18-03-1960
    -Finlandia: 31-08-1966
    -Francia: 12-09-1966
    -Suecia: 14-02-1972
    -España: 16-11-1998

    Y a todo esto en la "querida America" se produjo uno de los mejores años en la historia de su cine. Grandes directores como John Ford, Charles Chaplin, Otto Preminger, Fred Zinnemann, Elia Kazan, Howard Hawks o Vicente Minelli dieron a luz, en 1952, algunas de sus mejores obras. Y eso que era tiempo de "escasez" y posguerra...

    El cine de los años 50 está rodeado de circunstancias. La sociedad estadounidense vivía la posguerra de la reciente Segunda Guerra Mundial y el televisor se implantó con fuerza en los hogares acabando con la hegemonía de la industria cinematográfica en el entretenimiento. Esto conllevó una fuerte reducción de la asistencia del público a las salas de cine. La gran pantalla seguía ofreciendo mejores cualidades que el pequeño televisor, como la proyección de imágenes a gran tamaño y en color, que en esos momentos se estaba extendiendo.
    Los géneros que se impusieron en 1952 fueron el western, la comedia, el cine negro, los musicales y el biográfico.
    El año del estreno de esta película, aparecieron en los cines americanos cintas como “Eva al desnudo”, “Cantando bajo la lluvia” o “El hombre tranquilo”.

    Otras películas de 1952
    Italia : «Umberto D.» de Vittorio de Sicca , «Europa 1951» de Roberto Roseellini
    Francia: «La cámara de oro» de Jean Renoir, «Juegos prohibidos» de René Clément
    Reino Unido: «El temible burlón» de Robert Siodmank
    Y e Japón también encontramos películas como:
    Youth of the son / Musuko no seishun (1952)
    Vendetta of Samurai /Araki Mataemon: Kettô kagiya no tsuji (1952)
    Sword for Hire / Sengoku burai (1952)
    Saikaku ichidai onna / The Life of Oharu (1952)
    Ochazuke no aji / Tea and Rice (1952)
    Okasan / Mother (1952)
    Okuni to Gohei (1952)
    Lightning / Inazuma (1952)
    Children of Hiroshima (1952)
    Carmen falls in love (1952)

    La "posguerra a la japonea" tampoco fue nada fácil!!!De 1945 a 1952, Japón estuvo ocupado por los norteamericanos, y las películas históricas fueron prohibidas para evitar que se regresara al nacionalismo que había originado la guerra, incitando así a la realización de películas modernas y de actualidad, de los géneros que se producían en América. Durante estos años, la producción japonesa se redujo un 25 % y se estableció un sistema de censura que prohibía cualquier filme relacionado con el feudalismo, el amor a la guerra o el culto a la venganza, tópicos habituales de las décadas anteriores. En la otra cara de la moneda, y fruto de la estructuración que se llevó a cabo durante la ocupación norteamericana, durante esta época se produjeron algunas de las películas de autor más importantes de la historia de este país, como RASHOMON, de AKIRA KUROSAWA, ganador del León de Oro en el Festival de Venecia (1951), o CUENTOS DE LA LUNA PÁLIDA, de KENJI MIZOGUCHI, León de Plata tres años después (1954). LA PUERTA DEL INFIERNO, de TEINOSUKE KINUGASA, ganó el Festival de Cannes y se convirtió en la primera película de habla no inglesa que se llevó una estatuilla en los Oscar.
    Fue precisamente esta americanización que sufrió el cine japonés la que facilitó la internacionalización de sus obras. En apenas 10 años, el cine nipón pasó de ser un gran desconocido a liderar los principales festivales de cine. Esto sucedió en parte gracias a los numerosos géneros que surgieron en esta época: cine de entretenimiento inspirado en las producciones norteamericanas de los cincuenta, cine de monstruos y alienígenas (como género en sí) influenciado directamente por las desgracias de Nagasaki e Hiroshima, películas documentales, cine de samuráis, etc. Un sinfín de híbridos que aportaron a Japón una riqueza cinematográfica inigualable a nivel mundial, con una producción que se elevaba hasta las 500 películas anuales.

    Hay que señalar dos fases en la situación de Japón al final de la Segunda Guerra Mundial: la primera, entre el 8 de mayo y el 2 de septiembre de 1945, es la del término de la guerra en Asia y la derrota de Japón; la segunda, de septiembre de 1945 hasta abril de 1952, es la de Japón bajo ocupación norteamericana y la política de reformas.
    A partir de la firma del tratado de paz de San Francisco, en septiembre de 1951, con Estados Unidos y los aliados y el consiguiente final de la ocupación norteamericana, en abril de 1952, se inicia el nuevo período histórico de Japón como Estado independiente.
    Y el Tito Kurito filmando un dramón como la copa de un pino!!!

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    In the mood for love (2000)







    Filme Honk Kong, del año 2000, donde un hombre y una mujer, se mudan a un edificio, donde se alquilan habitaciones. Tras conocerse, la vida les cambiará para siempre.

    Directamente, es una de las mejores, películas, sobre amor, jamás rodadas, aunque más, que amor, sería desamor. El filme, esta excelente interpretado por Leung y Maggie Cheung, que sale preciosa, con todos los vestidos, que lleva, llamados qipao. Lo que nos viene a decir el filme, es que el amor sincero, jamás se puede olvidar. Pero que, en muchas ocasiones, sino funciona, deja un poso de nostalgía casí desesperante.

    De la producción, en el aspecto técnico, destacan, los encuadres, de los objetos, que dan muchas pistas, del desarrollo, de los acontecimientos, a parte de que siempre hace enfoques distintos, sobre todo, de cara y medio cuerpo, de cuerpo entero, solo en el callejón. Otro aspecto, que destaca es la fotografía y las luces, con esos colores oscuros, anaranjados, que vienen a decir, la complicada relación que mantienen, los protagonistas.

    Para concluir, lo técnico, nos queda una OST, inolvidable, que nos narra, también, y aunque sea reiterativo, aspectos claves, de esa amistad, que mantienen. En ella destacan, Yumeji's theme - Shigeru Umebayashi, los boleros cantados por Nat King Cole, en español y el resto de tracks, hechos por Michael Galasso.

    Hay multitud de escenas, deliciosas, pero yo me quedo con la del final, en AngKor, o una intermedia, donde ven, que su amistad, es problamente algo más. El resto, deben descubrirlas, ya que su relación, es una oda al amor/desamor.






    Deseando amar (In the Mood for Love). Secretos de amor ocultos en el tiempo.

    Wong Kar Wai es hoy en día uno de los principales representantes del cine asiático en el occidente. Junto a la genialidad de Takeshi Kitano ha tenido mejor suerte que muchos de sus antecesores para introducirse a la industria mundial del cine y la academia cinematográfica, que bien los reconoce como auténticos maestros de la imagen en movimiento. La verdad esto no es algo que a muchos creadores asiáticos les quite el sueño. Sin embargo, los verdaderos perjudicados terminamos siendo los cientos de cinéfagos teniendo que hacer verdaderas odiseas para conseguir mucho de este cine.

    Afortunadamente en la actualidad el cine de Wong Kar Wai es relativamente fácil de adquirir. En él podemos introducirnos al cine contemporáneo que tanto tiempo se nos ha negado y que sobre todo implanta un estilo característico que además propone nuevas formas en la estética visual y su manera de recrear la realidad con lujo de detalle, alterando el ritmo del movimiento a un plano más detallado y poético así como cuadros sumamente coloridos y hasta bellos.


    In The Mood For Love, ridícula y predeciblemente traducida como Deseando Amar sin dejar mucho a la imaginación, se convierte en la cúspide de un autor que, después de haber experimentado en busca de su propio estilo, hoy sabemos de sus tan plenas aportaciones y manera tan bella de hacer cine, ya sin recordar que en sus inicios pretendía aludir al mismísimo Scorsese muy al estilo de Mean Streets. Hoy podríamos juzgar quién y qué tanto han influido en su vida profesional, pero mejor aún qué tanto ha destacado el mismo Wong Kar Wai, dignificado como un artista original de su propio e indiscutible estilo ya tan característico.

    En un principio la historia se tenía pensada en un periodo aproximado entre 1962 y 1972 pero por lo difícil de abarcar un periodo tan amplio se redujo a 1966, evitando problemas que se pudieran presentar en la historia al abarcar tal cantidad de tiempo. Después de su proyección y 2 premios en Cannes (entre los que incluye mejor actor y gran premio de la comisión técnica a Christopher Doyle, Mark Li Ping-Bin y William Chang), el filme es sometido nuevamente a cambios en su edición, banda sonora, diálogos y algunas escenas con la intención de retocarlas.

    En In The Mood For Love, hay que reconocerlo, no todo fue tan bello como finalmente logramos apreciar. Su realización fue muy complicada para su autor, algo que Wong Kar Wai reconoce con toda calma, debido al reto que le presentó filmar dos películas al mismo tiempo. Lo que resulta curioso de ambas obras es que si bien 2046 es un filme que habla sobre el futuro de Hong Kong, In The Mood For Love habla de un Hong Kong situado en la década de los sesenta. La historia se desarrolla en la primera mitad de los 60 en Hong Kong, coincidiendo con un periodo tan importante como lo fue la revolución cultural china.

    Fueron alrededor de 14 meses entre filmación y edición de esta magnífica película, tiempo suficiente para que mucho del equipo original abandonara el proyecto por cuestiones de trabajo y la complejidad de filmar simultáneamente 2046, labor que en voz de Kar Wai, se convertiría en un verdadero infierno. A decir verdad, a escasas horas de su proy
    ección en el festival de Cannes en el 2000, añadieron el final en las ruinas camboyanas de Angkor Wat.

    Como en otras muchas ocasiones, las vicisitudes que rodean la puesta a punto de In the Mood for Love condicionan el producto final. En un principio, el esquema argumental trazado por Wong Kar-wai giraba en torno a tres historias y un punto neurálgico común: Pekín y la plaza de Tiananmen. La República Popular China no autorizó el rodaje en los
    exteriores planteados y la idea original debió ser abandonada. Otro elemento esencial para la comprensión del cine de Wong Karwai es el hecho de que su forma de trabajar implica la ausencia de guión: las tramas se construyen a medida que el rodaje avanza, mediante la implicación de sus actores fetiche, Tony Leung y Maggie Cheung, quienes, interiorizada la esencia de sus personajes, condicionan el avance de la historia (rodada con radicalidad cronológica) y sus propias características personales. Consecuencia de ello es la prolongación del tiempo de rodaje y la acumulación de costes no previstos en origen.
    Pero hay algo mucho más importante y que será un estilema definitorio: la eliminación, en la fase de montaje, de los aspectos más obvios de la trama. Mediante este mecanismo, los espacios fuera de campo, las ausencias, los elementos sugerentes y la quiebra de las relaciones causa-consecuencia se constituyen en elementos determinantes. Esto, que resulta poco comprensible desde el punto de vista de los costes de producción (¿por qué rodar escenas que serán suprimidas al montar?), permite comprender que el rodaje de In the Mood for Love se prolongara durante quince meses y que, evacuada la producción inicial del proyecto, entrara Paradis Films que, con su aportación de capital
    francés, garantizaría –o haría mucho más viable– la exhibición del film en el Festival de Cannes.
    Para recrear los espacios de los años 60 con la suficiente libertad de acción y sin los elevados costes que supondrían los decorados adhoc, el film se rodó en una gran parte en el hospital militar británico de Kowloon, ya en fase de liquidación y derribo.
    Finalmente, conviene introducir otro elemento paradigmático en el cine de Wong Kar-wai: la utilización de un grupo de colaboradores que se habrán de repetir de un film a otro, consiguiendo, así, una unidad estilística y de criterios poco habitual en el cine contemporáneo.
    Tal como ocurriera en su día con Citizen Kane (Orson Welles, 1941), es prácticamente imposible desvincular al equipo técnico del nombre del realizador. En este caso, junto a los actores-fetiche previamente mencionados, Tony Leung y Maggie Cheung, hay que hacer mención muy especial del director artístico y responsable del montaje, William Chang; del director de fotografía, Christopher Doyle, y de la entidad productora Jet Tone, omnipresente en la filmografía de este autor. Ni que decir tiene que muchos de estos nombres, hoy plenamente reconocidos a nivel internacional, aparecieron vinculados a la obra de Wong Kar-wai cuando apenas eran una promesa.





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  7. #4
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    Empress Wu Zetian (1939)







    El filme narra, la vida, de Wu Zeitan, la primera y única Emperatriz, con pleno poder, en la China antigua, durante la dinastía Tang. Lo que destaca, de esta producción, es una cuidada ambientación, un gran vestuario y atrezzo. También, hay que añadir unos buenos espacios naturales (Jardines). La música, es muy adecuada, sobre todo destacando, la canción al final y los bailes.

    En cuanto, al aspecto histórico, se pega a la versión tradicionalista, sobre esta monarca, pero siendo el año 1939, donde en China, esta el conflicto con Japón, y entre Nacionalistas y Comunistas, hay ciertos añadidos, donde se muestra, que no era, una mujer cruel, sino que hizo, como todos los monarcas, de aquellos años, luchar para sobrevivir. De hecho, se tuvo, que enfrentar, al confuccionismo, al patriarcado, etc. En el filme, hay varias escenas, que demuestran su protección a la mujer, como liberar a las concubinas, o como cambia los coros de danzas femeninos, por los masculinos.

    En el aspecto, de los hermanos y a su vez ministros Zhang, hay mucha controversia, para unos se aprovecharon de la monarca, y fueron sus amantes, para sus defensores, solo fueron leales. El caso, es que hoy día, en otras producciones, que han abordado su vida, se les sigue viendo, como sus amantes, para ello recomiendo ver, Palacio de Poder de CCTV, donde así se muestra (Ved en mi Blog, mis impresiones, sobre la misma). Lo que sucede, es que ambos al final, acaban muertos.

    Sus políticas, fueron buenas, y aprobadas por el pueblo, como por ejemplo al pasar de Confucio al Budismo entre otras. Y sobre todo creo, su propia dinastía la Zhou.

    Es una buena película, pero para no quedarse, con sólo una versión de los hechos, ya que es un personaje muy importante, lo mejor, es ver lo siguiente: La nombrada, Palacio de Poder, de CCTV y Empresses of China, de Fan Bing Bing.

    No os defraudará, un pequeño clásico, que nos adentra en la antigua y fascinante historia del gigante asiático.








    En la historia el Cine Chino , en la decada de los 1930, se realizaron películas realmente importantes, estas tienen una clara influencia del partido comunista, ejemplos de estos films son: “Los gusanos de seda de primavera” de Cheng Bugao (1933), “La calle mayor” de Sun Yu's (1935) o “La diosa” de Wu Yonggang's (1934). Estas películas fueron progresistas, ya que relataban la lucha de clases, las amenazas externas (como la invasión por parte de Japón) y los problemas de la gente de a pie: una familia de granjeros de seda, una prostituta… En parte debido al éxito de este tipo de películas, esta época el1930 se suele denominar hoy en día: “la primera época dorada del cine chino''.
    Habían tres empresas que dominaban el mercado chino en la primer mitad de los años 30:-la recién formada Lianhua ( "United China")-Mingxing-Tianyi. Estas dos últimas son las más antiguas, las dos primeras, se inclinaban más hacia el comunismo, mientras que la tercera, tendía a ser menos social.
    Como hemos dicho, en esa década surgieron los primeros films importantes y como no podía ser de otra manera, también aparecieron las primeras estrellas del cine chino, cómo pueden ser: Hu Die, Ruan Lingyu, Zhou Xuan, Zhao Dan y Jin Yan. Otras de las grandes películas de ese periodo son: “Nuevas mujeres” (Xing nüxing 1934), Canción de los Pescadores (Yu guang qu, 1934) y “Corderos perdidos” (Mi tu de gao yang 1937), estas eran todas de Cai Chuseng; en cambio “Plaza Pública” (Shizi jiteou, 1937)y “El ángel callerjero” (Malù tianshi,1937) de Shen Xiling y Yuan musí respectivamente.
    También durante este tiempo los nacionalistas y los comunistas luchaban por el poder y el control de los grandes estudios, y su influencia se puede ver en los filmes.
    La invasión japonesa de China, en particular, su ocupación de Shanghai, hizo que finalizara esa edad de oro del cine chino. Todas las productoras cerraron, salvo Xinhua y muchos de los cineastas huyeron de Shangai, emigrando a Hong Kong o Chongqing, la capital nacionalista durante la guerra. La industria de cine de Shangai, a pesar de todo no dejó de hacer producir, pero sí que se redujo notablemente la creación de películas, por este motivo el cine de este periodo se denominó “La isla solitaria”, pues la invasión nipona de Shangai hacía de ella una isla dentro del territorio ocupado por los japoneses. Fue durante este período que los artistas y directores (los que permanecieron en la ciudad) tuvieron que caminar en una cuerda floja ya que o podían permanecer fieles a sus creencias izquierdistas y nacionalistas o bién ceder a las presiones japonesas. “Mulan” (1939),relata la historia de una joven china hija de campesinos que se alista al ejército y va a la guerra a luchar contra una invasión extranjera, esta película en particular fue un buen ejemplo de la continuación de la producción de cine en Shangai. A raíz de la declaración de guerra declarada con los aliados occidentales el 7 de diciembre de 1941, hizo que la finalmente la “Isla solitaria”, también fuera ocupada por los japoneses, las consecuencias de este hecho, hicieron que la industria china cayera en manos de los nipones, con lo cual estos intentaron buscar la Esfera de coprosperidad del este de Asia con obras como “Eternidad” (1943).





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    Tampopo (1985)





    Esta producción, del genio Junzo Itami, es como un calidoscopio multicolor, por las siguientes razones:

    1) Mezcla de géneros: Western, Comedia, Yakuzas, Road Movie, y drama
    2) Es cine dentro del cine, usando el método (Habría que preguntar, quién tuvo la idea primero, ambas son del mismo año: 1985), de Woody Allen, en "La Rosa Púrpura del Cairo", con la escena mítica, del actor de la pantalla hablando al espectador, aquí Itami, usa al Yakuza, como espectador de la sala de cine y nos introduce al filme.
    3) Es una película sobre comida, publicidad de gastronomia nipona y sentimientos.

    Pasando al aspecto técnico, tiene un excelente sonido, ya sea por los sorbidos cuando comen, etc, amén, de una banda sonora magnífica, con piezas de música clásica y tonadas que recuerdan, al cine mudo de los años 20. Las interpretaciones, son todas geniales, con una pleyade de artistas consagrados y otros incipientes, como era el caso de Ken Watanabe, que aquí interpreta a GUN.

    Volviendo a los géneros, no lo haré extenso, Western, porque el protagonista podía ser Jhon Wayne, ayudando a un pequeño pueblo, o los Siete Samurais. Aquí, en este caso, ella ha de vencer con su ramen, a los comensales, que serían los forajidos, en este caso amigos, que le ayudan a mejorar. Es comedia, porque los skteches, te sirven como intermedio, ya que el filme dura dos horas, esta excelentes, para mi, la viejita que aprieta todo, el joven empresario, en el restaurante de lujo, la reunión de señoras bien, aprendiendo a comer Spaghetti alle vongole (Vongole, son almejas), la madre de familia enferma, o el magnifico estilo cine mudo, de la tortilla de arroz, con el hijo de la protagonista con un vagabundo (Que esta incluida, con el sketche, de los vagabundos, que también, yo considero, una escena).

    Drama, porque hay en príncipio una historia posible de amor, no llega a tal fin, ya se sabe, el héroe de western o samurais, ha de seguir haciendo justicia o ayudando al débil. Road Movie, porque son camioneros y se mueven de un lado a otro, Tampopo (Diente de León), que es como se llama ella, es sólo una persona más a la que ayudar.

    Finalmente Yakuza, es como dijéramos, la historia secundaria, que nos ofrece, la versión de la pasión por la comida, con escenas digamos eróticas soft (Como las escenas, de la Yema de huevo, la del límon y sal con el pezón, la de la ostra, con la recolectora y buzeadora), y también como siempre, el mal fin de los Yakuza con la muerte de él, explicandole un plato de comida, de cerdo salvaje, diciéndole como cazarlo, y cocinarlo.

    Por otra parte, tenemos, la subtrama, de como va conociendo las técnicas, para hacer un buen ramén, incluyendo a sus cocineros, maestros etc. Sobre todo, destaco algo, que para tener buen paladar (Escena de Vagabundos), no hace falta ser rico, cuando la vean, lo entenderán.

    La moraleja del filme, es que un simple ramén, hace que ames la comida y la gastronomía de un país, por ello yo recomiendo, que cuando la veáis, estéis comidos, cenados, desyunados etc. Ya lo dice el Yakuza, nada más empezar, ¿Tienes Hambre?. Para concluir, es una oda a alimentarse bien, con la tierna escena, de una mujer amamantando a un bébe.

    ¿Quién dijo, que la comida, no sirve para el cine?

    Bon Apetit.




    JUZO ITAMI: LA PERSONA.


    Hablar de Juzo Itami es hablar, ante todo, de una personalidad digna de aparecer en cualquiera de sus películas. Su vida, con el permiso del posiblemente indiscutible rey en estas lides, maese Kitano, se encuentra tan colmada de anécdotas, a cuál más invérosimil, como para llenar una cinta tan surrealista como las que él mismo firmara.

    Nacido un 15 de mayo de 1933 en Kyoto como Yoshihiro Ikeuchi, fue hijo de Mansaku Itami, director de celebradas películas de samurais y de época, anteriores a la Segunda Guerra Mundial, en las que dejaba entrever un humor satírico que más tarde acabaría heredando su hijo.

    Antes de seguir los pasos de su padre en el mundo del cine, Juzo anduvo dedicándose a diversas labores tan alejadas del mundo del celuloide como pudieran ser, entre otras varias, las de ensayista, diseñador comercial, editor de una revista o la más increíble aún de boxeador, llegando más adelante incluso a trabajar como reportero de televisión, todo ello bajo la opinión de que su padre había establecido el listón demasiado alto y de que él no sería digno de sucederle en su obra.

    No fue hasta la muerte de éste, y después de haber criado ya a dos hijos, que Itami realizó su debut como actor en 1960 en la película japonesa “Nise daigakusei” (“A False Student”). Tras ella trabajó en más de una veintena de películas tanto en su país de origen como en los Estados Unidos, siendo quizá su intervención más internacionalmente conocida la de Coronel Shiba en “55 días en Pekín”.

    Su relativamente tardío debut en el mundo del cine propició tal vez su tardía incursión como director de películas. No fue hasta 1985 cuando se estrenó su primera película: “Ososhiki” (“El funeral”), una disección de las relaciones familiares en el marco del funeral del patriarca del clan. Según palabras del propio Itami, su intención al realizar una película es contar algo que de algún modo le haya sorprendido. De este modo, una charla de un chef le sirvió como base para su segunda película, “Tampopo” (1985), así como se sirvió de sus propias experiencias vividas en el funeral de su suegro para realizar la ya mencionada “El Funeral”.

    Existen dos aspectos fundamentales, característicos e intrínsisecos, común a toda la filmografía como director de Itami. En primer lugar, su manera de diseccionar la sociedad actual japonesa y, en cierto modo, de desmitificarla (esto es fundamental), que le permite abordar toda suerte de temas serios de una manera, a ratos ligera, siempre cercana al espectador y, sobre todo, desgarradoramente crítica y provista de un cinismo brutal y de una mala uva impresionante. Sus mayores logros suponen el poner de manifiesto que detrás de cualquier situación, institución o creencia a primera vista modélica no todo es tan idealista como a veces se nos pueda hacer ver, haciendo caer a los sus instigadores en el más patético de los ridículos. En segundo lugar, tan importante como la ironía que rezuman todos sus guiones, es el hecho de que estos se estructuran a su vez en torno a una mujer, que es la que toma el peso de la historia y a través de cuyos ojos es como se nos presentan las verdades, mentiras e hipocresías que conforman la sociedad que Itami estudia con precisión de cirujano.

    Más curioso aún es que esta mujer, pilar de todas las historias, es siempre interpretada por la misma actriz, Nobuko Miyamoto, esposa, por otra parte, de Juzo Itami. Enlanzando con este tema, un detalle curioso es que el reparto de las películas suele compartirese, de modo que es fácil encontrar a varios actores de una película en cualquier otra, formando algo así como una comuna que determina ya uno de los rasgos típicos de la filmografía de este particular director.

    Podríamos resumir pues que el éxito de estas feroces críticas que no dejan títere con cabeza reside en la habilidad de Itami de no centrarse únicamente en la vertiente denunciadora, sino que a ésta, cual la incansable Tampopo en la película homónima, la adereza con algo de aventura, una pizca de amor, un puñado de ironía y toneladas de humor, sin olvidar generosas porciones de erotismo...

    Sin embargo, esta mirada crítica que Itami no cesó de lanzar a su alrededor a lo largo de toda su carrera le ocasionó no pocos incovenientes. Con diferencia, el más grave de ellos se produjo en mayo de 1992, cuando tres miembros de la yakuza, agraviados por la manera en que Itami había ridiculizado a su gremio en la película “Minbo no onna” (1992), le atacaron armados con navajas en las cercanías de su propia casa, ocasionándole heridas que le obligaron a permanecer hospitalizado durante más de una semana. Una vez más llevó a cabo sus propios principios y tomó esta experiencia como base de su última película, “Marutai no Onna”.

    Como cabía esperar, un personaje de esta índole no podía tener un final anodino que pasase sin llamar la atención. El 20 de diciembre de 1997, el director de cine de 64 años de edad, Juzo Itami, se suicidó lanzándose al vacío desde el octavo piso del edificio de la capital japonesa en el que tenía ubicado su despacho. Según indicó en la nota de suicidio que escribió antes de poner fin a su vida, hizo esto porque opinaba que ésta era la única forma de probar su inocencia en un escándalo aireado por una revista japonesa que le acusaba de mantener una aventura amorosa con una joven de 26 años.

    TAMPOPO



    A medio camino entre las películas que deberían prohibirse ver con el estómago vacío, tales como “Comer Beber Amar”, una película del oeste (?!) y “The God of Cookery” de Stephen Chow (combates a lo Dragon Ball, pero no a mamporros, sino a ver quien cocina mejor...) Nobuko Miyamoto interpreta a una cocinera/camarera de un garito de fideos japoneses que recibe la ayuda de un camionero demasiado desocupado y misteriosamente versado en las artes culinarias, para intentar convertirse en la mejor cocinera del país y hacer de su modesto local un lugar ante el cual la gente haga cola para comer. Usando esta excusa, Itami traza pinceladas sobre los distintos individuos que aparecen en los diferentes restaurantes, bares y demás antros donde se disfrute de la comida, dibujando tipos tan extraños como un yakuza que tiene la buena mesa como su mayor placer... que puede combinar sin incoveniente con otros placeres. Como curiosidad, según tengo entendido, se trata de la única película de Juzo Itami estrenada en salas españolas.

    Fuente: Jamolo




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    Come Come Come Upward (1989))





    El filme, aborda la vida de dos monjas, y sus avatares, dentro del monasterio y en la vida fuera de el.

    La producción, se puede abordar desde, dos puntos de vista, bien distintos, al igual que sus protagonistas:

    1) Como una crítica al Budismo, aunque personalmente, creo que es al inrevés
    2) ¿Que puede aportar el Budismo al mundo moderno de hoy día?

    La respuesta, no es clara, sino nos ceñimos a la película, ya a través de las vidas, de ambas protagonistas, ninguna tiene claro, para que sirve hoy día, o que les aporta a su vida. El filme, hay que tener, en cuenta, que esta rodado al final de la dictadura, en Korea del Sur en 1989, un año después de los JJOO, recordados, por el positivo, del velocista canadiense Ben Jhonson. Es una epoca, donde Korea del Sur, busca salir, de la falta de libertades, de ahí, que algunos personajes, hablen sobre ellas, o de como salir de su desesperación.

    La religión es fé, y ambos personajes carecen de ella, más bien intentan sobrevivir. Una tras tres años en una cueva, sale con una crisis, mientras que la otra yendo por el mundo, vuelve al monasterio, porque esta desencantada de la vida. Sin embargo, bajo mi interpretación se venga, de la otra, diciéndole, que sin ilusión o cambio, uno no puede avanzar. Esto es me da a mi, como una crítica encubierta a la dictadura, que como mente, estaba en sus últimos años.

    Recomiendo al menos, haber leído sobre budismo, para entender parte de la producción, que no decepciona y da para debate posterior.-




    IM KWON-TAEK Y EL BUDISMO

    La expresión “Ven, ven, ven, hacia arriba” deriva de un famoso canto budista.
    Im Kwon-taek y su guionista Han Sung-won construyen un mundo de sufrimiento, donde la protagonista, primero como monja, luego como enfermera, parece darlo todo para recibir como único pago una larga serie de humillaciones. Es un film que confronta a la audiencia con una pregunta de alcances morales y espirituales: ¿qué es la piedad y dónde es posible encontrarla?”

    Todo comenzó con Mandala (1981). Hasta Mandala, el prolífico director Im Kwon-taek había hecho principalmente decenas de películas comerciales, pero con la exploración de Mandala de las vidas de dos monjes budistas, Im encontró tanto su voz artística como su enfoque, llamó mucho la atención al cine coreano a través de la atención internacional de Festivales y ganó para él y para sus actores una serie de premios.

    Una de las obsesiones de Im desde Mandala había sido una exploración enfocada de la cultura coreana y las fuerzas que la formaron y continúan modelándola a día de hoy. Una de las películas de arte más importantes de Im después de Mandala fue The Surrogate Woman (1987), una película que no sólo pasó con gran fanfarria y premios en el Festival Internacional de Cine de Venecia, sino también comenzó

    una tendencia de Im usando mujeres sufridoras como protagonistas de sus películas con su frecuente colaboradora Kang Soo-yeon que pasó a ser como su musa.

    En muchos sentidos Come Come Come Up representa un punto en el que Im se hace eco un poco, haciendo una segunda película sobre dos ascetas budistas y reclutando a su musa, Kang Soo-yeon. El budismo tiene una historia bastante larga en Corea, llegando algún tiempo durante el periodo de los Tres Reinos de la historia coreana (siglo IV dC) y creciendo y menguando desde entonces, alcanzando un pico de adopción durante la dinastía Goryeo como religión estatal, antes de ser aplastado por el después de Neo-Confucians de la dinastía de Joseon.

    Mientras que el cristianismo se ha convertido en la religión dominante en Corea del Sur (el Norte hace cumplir el ateísmo), debido a la extensa historia del budismo en Corea, su impacto sigue siendo fuerte en un sentido cultural y filosófico para muchos coreanos. Dado que el budismo en Corea ha tenido tanto tiempo para desarrollarse, Corea tiene en realidad sus propias escuelas únicas de pensamiento budista, divergiendo de la escuela Mahayana y así la elección de Im para volver a una mirada cinematográfica a los ascetas budistas es también un regreso a un examen de este aspecto particular de la identidad coreana.

    La dirección de Im en Come Come Come Upwards es bastante sencilla, la fotografía sorprendentemente impactante balanceada por la simplicidad del enfoque narrativo de Im. Kang Soo-yeon no es la fuerza aquí, como lo fue en The Surrogate Woman, pero logra manejar bien los conflictos internos de su personaje y es totalmente creíble. En cambio el papel de Jin Young-mi, no fluye con la misma naturalidad y parece en algunos aspectos forzado.
    Im estaba trabajando con un grupo bastante bueno de colaboradores que resultó ser una gran acierto para la película, además de buenos valores de producción, dada la sofisticación limitada de Corea en términos de tecnología cinematográfica en el momento de la producción de esta película .




    BUDISMO COREA DEL SUR
    Al analizar paso a paso la historia del arte coreano, uno enseguida se da cuenta de la importancia de la influencia de China. Indiscutido centro económico, cultural y político del Este asiático durante muchos siglos, es quizá de esperar que las formas artísticas chinas hayan servido a menudo como el " tema" sobre el que los artistas coreanos realizaban sus "variaciones". Para las clases altas y para aquellos vinculados a la cmte en especial - que incluso después de la creación del sistema de escritura hangul en el siglo XV continuaron hablando y escribiendo en chino, ya que lo consideraban un idioma más " elevado"- la influencia fue especialmente fuerte.
    También la religión y la filosofía sirvieron como conductos a través de los cuales la cultura y el pensamiento chinos fluían hacia Corea. El budismo se introdujo en Corea a través de China en e l siglo IV (doscientos años antes de que diera el salto a Japón), extendiéndose sobre todo entre los siglos XI y XV. La versión budista que primeramente conocieron los coreanos se había modificado significativamente de sus orígenes indios, ya que sobre ella ejercía en especial una gran influencia el taoísmo chino. Por lo tanto, el budismo supuso una de las vías a través de las cuales los coreanos entraron en contacto con las tradiciones artístico-culturales chinas. Copias que han llegado hasta nuestros días de las primeras pinturas budistas coreanas muestran una gran similitud con las chinas, y ciertas formas de danza ritual budista tienen también un origen chino.
    Hay que tener en cuenta, sin embargo, que las tradiciones y obras de arte budistas sufrieron nuevas transformaciones dentro de la misma Corea. Especialmente, en lo que se refiere a ciertos aspectos del chamanismo coreano, que fueron absorbidos por las prácticas y el sistema de creencias de los budistas coreanos. (Por cierto, las tradiciones budistas coreanas son la base de un gran número de películas coreanas sobre el budismo, realizadas por directores tan conocidos como Shin Sang-ok, Kim Ki-young,Im Kwon-taek, Kim Soo-yong, Bae Chang-ho, ParkChul-soo, Jang Sun-woo, Bae Yong-gyun o Kim Kiduk.
    De hecho, Corea cuenta con una de las tradiciones de cine budista más ricas ele Asia). Durante la dinastía Joseon ( 1392-19 1 O) se eliminó el budismo como la religión oficial del Estado y fue reemplazado por el neo-confucianismo - que, técnicamente, no es una religión pero que servía como visión filosófica del mundo y modelo para viv ir cada uno su vida- . Concebido y desarrollado en China, la enseñanza del neo-confucianismo serviría para acelerar el interés por la cultura china . En el campo de las artes, el neo- confucianismo supuso una especie de fuerza rectora. Fomentó la contención, la precisión y la mesura, centrándose en el mundo natural y quitando énfasis al humano.
    FUENTE: Nosfertus










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    Tokyo Story (1953)





    De los filmes (Con este concluyo el pack de 7, que tengo y me regalaron hace años, por Navidad, de este gran maestro del cine), es el que más me ha gustado, por la temática, por las actuaciones de los dos ancianos y por que es de plena actualidad.- El filme aborda, el como supone un estorbo hacerse mayor para los familiares, ya que no te hacen caso o te ignoran etc... Magistrales diálogos, como el de las gallestas, el de Noriko, con la abuela, en casa de la primera, el famoso travelling, donde se ve a los abuelos en el parque esperando, a que acabe la jornada laboral, y puedan recogerlos en Tokio, el anuncio de la muerte de la abuela, mediante una simple caida en el paseo maritimo, el dialogo de los amigos del abuelo y el mismo en el bar etc.. Poca música, pero suficiente, fotogarafía muy buena, vamos una delicia.- Me gustaría escribir más y se que puedo, pero prefiero, que una película como esta, la vean, sin que les cuenten mucho, porque llega al corazón, de hecho, un crítico Roger Ebert, de la época, dijo, que no vio a tanta gente llorar en una sala de cine, por la temática tratada.- De visión obligada y también de paso recomiendo el filme Leo McCarey "Dejad paso al mañana" de 1937, que lo he de visionar y me han comentado, que es muy buena y de argumento similar.-








    El viejo matrimonio Hirayama (Chishû Ryû y Chieko Higashiyama) viaja desde Onomichi hasta Tokio para visitar a sus hijos. Sin embargo, estos están tan ocupados con sus respectivas vidas, que apenas tienen tiempo para ocuparse de ellos. Sólo la bondadosa Noriko (Setsuko Hara), nuera viuda de los ancianos, parece empeñada en complacerlos en su visita a la gran ciudad.



    De padres e hijos.

    “Con el tiempo, los padres y los hijos se alejan”. Una gran verdad se encierra en esta frase que Noriko pronuncia casi al final de Tôkyô monogatari. Los filmes de Ozu, ese tesoro cinematográfico del que hablaba el realizador alemán Wim Wenders, están plagados de historias de padres e hijos a los que el devenir de la vida termina por separar. El paso del tiempo, el matrimonio, la muerte, son rivales poco menos que inabordables ante los ojos de unos progenitores que ven cómo cada día sus hijos se van alejando más y más de ellos. Es ley de vida, algo natural; lo cual no significa que no sea triste. Cuentos de Tokio es, sin ningún género de duda, una de las obras mayores de la historia del cine. En ella, el maestro nipón dibuja con serenidad y profunda mirada humana, uno de esos tantos relatos paterno-filiales que cualquiera de nosotros podría reconocer en su propio entorno. Por desgracia, la entrañable imagen de un hogar presidido por los abuelos resulta cada vez menos frecuente; sobre todo en Occidente, donde, llegada cierta edad, las personas se convierten en un auténtico estorbo. No obstante, la ingratitud filial es inherente al ser humano de todas las épocas y culturas, o si no lean la Biblia o a Shakespeare. Lo que aquí cuenta Ozu es universal, y eso quizá sea lo que hace de esta película un trabajo plenamente vigente. Lo he dicho en alguna que otra ocasión: cambiamos poco, muy poco.

    Lo viejo y lo nuevo.

    La filmografía de Ozu constituye un perfecto reflejo de los bruscos cambios acaecidos en Japón durante la primera mitad del siglo XX, especialmente tras su derrota en la Segunda Guerra Mundial. Lo viejo y lo nuevo, tradición y modernidad, se dan de la mano en sus películas. Esa simbiosis, como no podía ser de otro modo, también está presente en Tôkyô monogatari, donde el contraste generacional y cultural brota de la relación entre padres e hijos, e incluso nietos. No es casual, por ejemplo, que el matrimonio protagonista proceda de

    Onomichi, ciudad situada en la prefectura de Hiroshima, a la que se conoce principalmente por sus templos budistas. La vida allí, tranquila y de cara al mar, es muy diferente a la de Tokio, la gran urbe por excelencia del país del sol naciente. Una metrópolis concebida bajo cánones económicos occidentales. Es normal que los ancianos se sientan fuera de lugar durante su estancia en la capital. Ellos pertenecen a otro mundo más tradicional. Menos mal que quedan el sake y los viejos amigos; una fórmula ideal para enjugar penas mientras se rememora el lejano pasado.



    La complejidad de lo sencillo.

    A veces se comete el error de definir el cine de Ozu como sencillo, cuando, en realidad, su aparente sencillez es fruto de una compleja depuración del lenguaje cinematográfico. Probablemente ningún otro director haya conseguido tanto con tan poco. Tampoco creo que exista un cine más reconocible que el del autor de Primavera tardía; bastan apenas un par de planos para saber que estamos ante uno de sus trabajos. No cabe confusión alguna. Su obra descansa sobre el montaje y una milimétrica puesta en escena. La composición del encuadre es siempre exquisita, buscando un punto de fuga para conseguir una sensación de profundidad y perspectiva. Fue el primero en construir decorados con cuatro paredes, por los tres del Hollywood clásico, con el objeto de filmar una escena desde todos los ángulos posibles. Renuncia a los movimientos de cámara, escasos cuando no inexistentes, para articular su puesta en escena a través del montaje. Su concepción del cine, por tanto, se encuentra en las antípodas de la de otros maestros como Mizoguchi, Tarkovsky, Tarr o Dreyer, para quienes el montaje es un elemento meramente ensamblador. Además, posee la extraña habilidad de alcanzar la trascendencia partiendo de argumentos y temáticas cotidianas. El de Ozu es un arte milagroso, inaudito.

    Sabiduría y resignación.

    Los personajes de Ozu aceptan lo ineluctable con sabia resignación. No hay tragedia en sus películas porque se entiende que todo forma parte de la existencia humana. Hasta la muerte se acoge con cierta naturalidad.

    En una escena de Cuentos de Tokio, Kyôko, la hija menor de los Hirayama, le dice a Noriko tras el fallecimiento de su madre que la vida es decepcionante. Ésta le responde asintiendo sin perder la sonrisa. Su expresión denota esa resignación de la que hablo. Como digo, no hay tragedia en el cine de Ozu, pero sí mucha nostalgia: nostalgia de los hijos, nostalgia de los que ya no están, nostalgia de los viejos tiempos. Lo bello y lo triste, me permito reproducir el título de una de las más célebres novelas del Nobel japonés Yasunari Kawabata, están presentes en cada momento.



    A modo de conclusión, quisiera animar al hipotético lector de estas líneas a que se introduzca sin miedos ni prejuicios en el universo de tan maravilloso autor (si es que no lo ha hecho previamente), porque amar el cine de Ozu significa amar también la vida. Imprescindible.
    FUENTE: esculpiendoeltiempo












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  15. #8
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    THE INVISIBLE MAN TRILOGY
    (clic en la imagen...hay 3...)






    Ciencia Ficción japonesa a la antigua, con efectos especiales, menos espectaculares, pero con argumentos netamente superiores a las actuales producciones del género. En concreto, son tres producciones, que en si, pueden formar una trilógia, pero que realmente, pueden funcionar, como independientes*.

    La primera de ellas es:

    透明人間現わる / TOUMEI/TOMEI NINGEN ARAWARU (THE INVISIBLE MAN APPEARS/THE TRANSPARENT MAN APPEARS 1949 Japón Directores: Nobuo Adachi, Shigehiro Fukushima.

    Lo primero, que hay, que decir, es que fue la primera película de Ciencia Ficción, del país del Sol Naciente. En ella, dos jóvenes ciéntificos, se disputan, el amor, de la hija de su maestro, pero una tercera persona, adicta a las joyas, les cambiará, la vida.

    Lo que destaca de la producción, es su toque de película de Gangsters, ya que más bien, es una cinta de Cine Noir (Negro), con drama y y muchos sentimientos psicólogicos, de por medio. No hay que olvidar, que hacía sólo cuatro años, que termino, la II Guerra Mundial.

    Los F/x (Efectos especiales), están muy bien logrados, gracias a la labor de Eiji Tsuburaya. Aunque se ve, que los actores, hacen los movientos correctos, cuando son atacados, por el "Hombre Invisible". Lo curioso y es anecdota, el vestuario, del ser invisible, es el mismo de 1933, que interpreto Claude Rains. También, hay que decir, que esta basada libremente en la Obra de H.G. WELLS, de 1897, "The invisible Man".

    Las interpretaciones están correctas, y se logra mantener la atención, del que la visiona, durante todo el metraje. Donde a la postre, lo importante, no es la invisibilidad, sino, lo que acarrea. Ya que, tiene sus defectos, no pueden volver a ser visibles y cada vez, se van haciendo paranoicos y con ganas de hacer el mal, todo aquel, que lo/la sufre.

    Aunque se menta de pasada, también se dice, que todo empieza con experimentos del ejercito nipón durante la II Guerra Mundial. Todo el mundo, debería saber, que no sólo la Alemania Nazi, hizo experimentación con humanos o cientificas, sino que los japoneses, también las realizarón, siendo Manchuría, el lugar que más la sufrió.

    El papel social, que les encanta a los nipones, también esta presente; en este caso, es huir del pasado de la guerra, y el sentimiento de culpa, que muchos sufrieron.

    Por otro lado muestra, la americanización del país, con gansters, clubs nocturnos, el papel de lo medios de comunicación y la policía, que aquí, sincereamente, en algunas secuencias es cómica. Hay parte de romance, pero lo mejor, es la relación del Invisible, con su hermana.

    Totalmente recomendable.

    La segunda es:

    透明人間 / TÔMEI NINGEN OR TOUMEI NINGEN / THE INVISIBLE MAN OR THE INVISIBLE MAN AVENGER 1954 Japón Director: Motoyoshi Oda.

    En si, también, esta basada de H.G.WELLS, pero tiene una cierta continuación de la original de 1949, ya que los cientificos, de la primera son nombrados brevemente durante el metraje. La película, nos narra, como el ejercito experimento con soldados, pero todos fueron muriendo poco a poco, y sólo uno, consiguió sobrevivir, pero de nuevo al igual, que en la primera, hay unos gansters, que se aprovechan del pavor, de la población, para hacer sus fechorías.

    Sin duda alguna, es la que más, me ha gustado, por que no deja de ser un filme Noir, es decir, Cine Negro, con todas sus carácteristicas, sino, que lo de "Invisible", queda en un segundo plano, debido a que se le dió, un toque más social, que se nota en lo siguiente:

    1) La niña ciega, cuidada por su abuelo

    2) El payaso, clave en el filme, que busca redimirse de su pasado

    3) La bailarina del club

    Y 4) El que los experimientos, siempre pueden hacer el bien, pero pueden ser aprovechados por el mal.

    La producción, conto de nuevo, con Eiji Tsuburaya, para los F/x (Efectos Especiales), esta vez más logrados, que en la de 1949. Decir también, que en esta ocasión, se sigue con el patrón, de que es irreversible y deben ser invisibles de por vida.

    El final, es soberbio y muy bien ejecutado. Muy recomendable y entretenida.

    Y finalmente la tercera es:

    透明人間と蝿男 / TOMEI/TÔMEI NINGEN TO HAE OTOKO / THE INVISIBLE MAN AND THE FLY MAN/THE TRANSPARENT MAN AND THE FLY MAN 1957 Japón Director: Mitsuo Murayama.

    En si, no es una tercera parte, pero se la puede tomar, como la evolución de las de 1949 y 1954. Ya que, la criminalidad aumenta, debido a esta técnologia. Pero, esta producción, cambia las premisas importantes, de las dos precedentes. Acá, tenemos, que si, se puede revertir, la invisibilidad, y que la persona, que los sufra, no se vuelve violenta, de hecho, el éxito del experimento se logra**, durante el metraje, y con ello, se quiere hacer ver, que el invisible (Es decir la ciencia), es buena, sin embargo, es el rival, el "Hombre Mosca", el que adapta, el patrón negativo, de las dos primeras, es decir volverse paranoico y violento, pero con una diferencia, necesita un brebaje, para recuperar su forma humanoide, pero este a su vez, valga la redudancia, lo hace cada vez más violento.

    La producción narra, como dos amigos uno cientifico y otro polícia, deben investigar una serie de crimenes y hechos violentos. Personalmente, es la que menos me ha gustado, porque tiene un guión, un tanto deslabazado, con muchas cosas risibles y otras exageradas, acaba por ejemplo con toque de comedia, pero durante el visionado se puede ver un atentado a unos trenes. También el hecho, que todo el mundo puede hacerse invisible, cuando en realidad no tienen ni idea, de como funciona la máquina, aquí de rayos, en las otras dos eran unas pócimas/brebajes.

    La película denuncia, de nuevo eso si, los experimentos, en la II Guerra Mundial, por parte de los nipones y el comienzo del miedo, a la "Guerra Nuclear", ya que se menta las bombas Atómicas y la Bomba de Hidrogeno.

    Las actuaciones, son ajustaditas, no destaca ninguna, por encima de otra. Tal vez, la mejor, sea la del Hombre Mosca.

    Una hora y treinta seis minutos, entrenidos, pero poco más.

    Nota:

    * La tercera aunque puede ser evolución de las dos primeras, es completamente independiente, como una nueva versión, adaptada, a una nueva generación de la época, en que se rodo, los años 50.

    **** De hecho, los ciéntificos, aún no pueden hacer la invisibilidad, como si pasaba en las dos primeras, es durante el metraje, donde pueden hacerlo y encima conseguir, que quién la sufra, vuelva a ser persona normal, y deje de ser invisible.





    Ciencia ficción japonesa: el imperio de los militares y los monstruos

    La ciencia ficción japonesa es algo más que las películas de Godzilla y, sobre todo, nació mucho antes que ese dinosaurio radiactivo. Esta es una de las ideas subyacentes en el libro Destellos de Luna. Pioneros de la ciencia ficción japonesa (Satori Ediciones), obra del ensayista y traductor Daniel Aguilar, que ha recopilado centenares de referencias literarias y audiovisuales desde mediados del siglo XIX hasta la década de los sesenta del siglo pasado.

    Aunque su empeño es más descriptivo que analítico, Aguilar no renuncia a hacer lecturas históricas que conectan las tendencias narrativas con sus contextos. Al fin y al cabo, el interés por la investigación armamentística, potenciado por el expansionismo militar y el estallido de la II Guerra Mundial, inspiró multitud de cuentos y novelas especulativas. La experimentación con energía nuclear o la carrera espacial también tuvieron un impacto evidente en la cultura popular, a través de historias de mutaciones, apocalipsis atómicos y batallas intergalácticas.


    Algunas de las tendencias de la narrativa fantástica japonesa pueden asimilarse con exitosas obras occidentales, como las películas El hombre invisible o Ultimátum a la Tierra. No faltan las aventuras exóticas, de tintes colonialistas y supremacistas, que versaban sobre mundos perdidos y civilizaciones consideradas inferiores. Pero Aguilar también detecta fenómenos más locales, como la inclusión de fuertes dosis de violencia sexual e iconografía sadomasoquista incluso en relatos juveniles. O una especial tendencia al belicismo castrense.



    Militarismo y censura

    El avión invisible, Takachiho, el nuevo buque de guerra, El mortífero rayo de las ondas misteriosas, El misterioso buque de guerra volador, El buque de guerra submarino... Muchos de los títulos mencionados en el ensayo dan fe de la vertiente confrontativa y la fascinación por el armamento de la ciencia ficción japonesa de la primera mitad de siglo.

    Algunos de sus autores eran, además, militares (Gaishi Nagaoka) o escritores con buenas conexiones con ese estamento (Junzo Unno, Ujiro Ran). Las campañas de colonización de China o la península de Corea creaban una atmósfera de movilización patriótico-guerrera permanente.

    De manera reiterada, se publicaron historias en las que Japón vencía a enemigos superiores a través del ingenio, en forma de armas secretas y avances científicos. Según Aguilar, presentar estas victorias bélicas bajo los ropajes de la ciencia ficción resultó, a la larga, conflictivo. Podía interpretarse que la victoria misma era una fantasía, así que la censura tomó cartas en el asunto. Ya anteriormente se había decidido evitar la mención a países específicos como rivales, dado el clima bélico (en Asia) y prebélico (en las relaciones con Occidente), o prohibir las historias de crímenes.

    Los mencionados Juzo Unno (reivindicado a lo largo del volumen, que incluye versiones castellanas de tres de sus relatos) y Ujiro Ran siguieron escribiendo, a pesar del clima de censura. Un clásico del relato truculento y de la intriga, Rampo Edogawa, abandonó temporalmente la literatura. Eso sí, volvió rápidamente con una novela con la que parecía presentar sus disculpas: en Un sueño grandioso, un científico local inventa un avión supersónico. De nuevo, la tecnología era la carta ganadora. De alguna manera, esta estrategia se haría realidad en la posguerra, cuando Japón se convirtió en un peso pesado del sector electrónico mundial.

    Después de la derrota

    El pánico nuclear de la Guerra Fría, unido al éxito de películas como 'La hora final', inspiró películas como 'La gran guerra mundial'
    El final de la II Guerra Mundial frustró el expansionismo militar nipón. Desprovisto de armamento, Japón comenzó a presentarse como una potencia diplomática y multilateralista. Aguilar lee en estos términos películas como Ejército defensor de la tierra o La gran guerra del espacio, que reservan al país un papel privilegiado en la comunidad internacional.

    Eran propuestas de un belicismo humanista: una amenaza extraterrestre hostil permite conciliar el espectáculo de combates y la llamada a la unidad de los seres humanos... porque el enemigo es de otra especie y la fuerza empleada es defensiva.

    A la vez, la monster movie Godzilla sirvió para visualizar las heridas de la guerra, con alguna pincelada de resentimiento hacia el antiguo enemigo y ocupante estadounidense. Pero el cine de monstruos abandonó rápidamente aquellas características que lo conectaban con lo real. Las escenas de pánico y dolor desaparecieron de las ficciones, progresivamente tomadas por una violencia inocua protagonizada por robots y extraterrestres. Títulos como Mothra, Gamera o El hijo de Godzilla, además, evidencian que el género se reorientó hacia un público más y más joven.



    En paralelo a esta infantilización del denominado kaiju eiga, la ciencia ficción adulta miraba hacia lo posapocalíptico. El contexto internacional dificultaba que se cerrase la cicatriz de los ataques atómicos. En un momento en que la Guerra Fría inspiraban cintas de supervivientes de un holocausto nuclear ( Five, The world, the flesh and the devil, La hora final, Last woman on Earth, Panic in year zero...), se produjeron películas como La tercera guerra mundial y La gran guerra mundial. En paralelo, el reputado novelista Kobo Abe consolidó su propuesta fantástica con títulos como El rostro ajeno e Idéntico al ser humano, antes de que nuevas generaciones de escritores tomasen el relevo. Pero esa es otra historia.






    FUENTE: ElDiario.es


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  17. #9
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    Pather Panchali (1955) Aparajito (1957) Apur Sansar (1959)








    Triple obra magna, del director bengalí (Nacido en la capital Calcuta, Estado de Bengala Occidental) Satyajit Ray.

    El pack de tres filmes, se compone, de las siguientes producciones:

    1) পথের পাঁচালী Pôther Pãchali /Pather Panchali Song of the Little Road / Pather Panchali La canción del camino 1955.

    2) অপরাজিত Ôporajito; The Unvanquished / Aparajito (El invencible) 1957.

    3) অপুর সংসার Opur Shôngshar/ Apu Sansar / / The world of Apu / Apur Sansar: El mundo de Apu 1959.

    La tres se basan en el duo de novelas autobiográficas del escritor, también bengali, Bibhutibhushan Bandyopadhyay, llamadas: Pather Pancahli (1929, otras fuentes indican 1928) y Aparajito (1932).

    Las producciones, nos narran, la vida desde la infancia de Apurba Kumar Raj, (Apu), hasta su adultez.

    Pather Panchali, se centra en su niñez, viviendo en un mundo en decadencia, y nos muestra, a su madre, a su hermana, a su abuela, y en menor media a su padre.

    Lo que se puede osbservar, en la misma, es que a pesar, que su padre y sus antepasados son brahmanes* (La élite de las castas), viven en una miseria absoluta y muchas veces dependiendo de los vecinos o familiares. El padre tenía tierras, pero las hubo de vender, para sobrevivir, y casí nunca esta en la casa. Esta depende en todo momento, del trabajo de Sarbajaya (La madre), y sobretodo de la hermana de Apu, Durga. Con ellos vive la prima anciana de Harirar (El padre), Indir, de espiritú muy independiente.

    Socialmente hablando, se abordan los siguientes temas:

    1) La labor sumisa de la mujer, pero imprescindible, para que el hogar funcione

    2) La miseria, de donde viven.

    3) La economía de la familia, que depende del trabajo del padre, de los trueques, y de vender o empeñar, los objetos de la casa o personales.

    4) El maltrato a las personas mayores, representado en Indir.

    Y 5) El machismo, sólo los niños podian estudiar. Y como se ve, que las niñas e incluso las madres, piensan para ellas, en encontrarles un marido, sin importar, lo que estas piensen.

    Por otro lado se muestra la vida, en el poblado, y los diversos trabajos de sus habitantes, así, como una escuela. Personalmente, Apu, es un niño odioso en todo el filme, donde su hermana Durga, se lleva todos los palos, por sus travesuras, también esta la actitud despreciativa de la madre hacia su hija, que adora a Indir, y sobretodo el cariño y el pasotismo de el padre, hacia sus hijos y esposa.

    Tiene muy buenas escenas, sobre todo con las muertes de Indir primero y de Durga al final.

    Historicamente se centra entre 1910 y 1920 donde la India, era la joya de la corona, del Imperio Británico. Destacar la magnífica banda sonora de Ravi Shankar, que también compuso la de Aparajito y la de Apu Sansar, es decir, todas las que conforman, la trilógia.

    Aparajito, nos lleva a la vida de la familia en Benares, donde el padre esta haciendo dinero, leyendo los textos sagrados a la gente, y donde Apu, hace amigos, pero no va la a escuela. Cuando el padre fallece, debido a unas fiebres, madre e hijo, se van a Mansapota, un pequeño pueblo, donde el protagonista empezará, valga la redundancia a estudiar, de manera brillante. Finalmente, este va a Kolkata (Calcuta), para seguir su aprendizaje, mientras la madre, que esta enferma, pero este no lo sabe, muere sola.

    Personalmente, la muerte de la madre, es un karma, ya que esta trato de manera miserable a Indir, cuando esta estaba ya, en sus últimos momentos de vida, pero también, te apiadas de ella, porque sin las 30 rupias (Moneda oficial de la India), que le da a Apu, este no podría haber ido a Calcuta a seguir sus estudios. El por su parte, se convierte en un pasota, y se olvida e incluso trata mal, a su madre.

    Temas sociales, que aborda, Aparajito, serian:

    1) La relación materna filial.

    2) La occidentalización de la India, esto se ve, cuando Apu, empieza a leer, a clásicos universales, sobre todo europeos y también luego, como este ya en Calcuta aprende de sus maestros.

    3) La vida también miserable en la ciudad Benarés, una de las sietes urbes sagradas del Hinduismo.

    4) El como el urbanita desprecia al campesino, lo hace el propio Apu, en su regreso por unas vacaciones a Mansapota, donde ve a niños haciendo contorisones, y juegos, que antes adoraba, y ahora, le parecen idioteces.

    Tiene grandes escenas, sobre todo el momento de las muertes de los progenitores de Apu. La música de Shankar, se hace estupenda, a cada momento. También, hay que nombrar acá, la aparición de Pulu, un amigo, transcendental, en la vida del protagonista.

    Finalmente Apu Sansar, nos narra la vida, de Apu, acabando sus estudios, y su adultez tras ellos. Acá, destaca su boda, la muerte posterior de su esposa, y finalmente su transformación en un ser, que en el fondo ama, pero que en realidad, se ha convertido en un amargado incapaz de dar cariño a nadie.

    La boda, es el aspecto social más importante, en esta producción, ya que es todo un tratado de la mercantilización de una mujer, que en un príncipio iba a casarse con un loco, pero que la madre de esta impide, y Apu, a regañadientes acepta casarse, por la tradición hindú y sobretodo la religión, el mismo día, que a la postre dará lugar a un matrimonio infeliz, a pesar de que la esposa, pone todo de si, para que funcione, aunque él al final, la quiere, no deja de vivir en su mundo, y repite el trato dado por su padre a su madre. Decir, que la esposa, es familia de Pulu, el amigo de correrias de él, durante su época de estudiante.

    Pulu, es hijo de una familia rica y acá se ve la diferenciación de las castas, cuando el en la noche de bodas, le explica, a su esposa, que no puede ofrecerle nada, y le pide que le diga, que le conto Pulu, acerca de él, ya que ellos no se conocen de nada.

    Personalmente, el final de la trilógia, es demoledor, y muy triste, ya que su esposa, al morir en el parto, deja a un hijo, Kaajal, que es su viva encarnación, cuando era niño, y que por su comportamiento, lleva camino de acabar como él. Apu, pasa literalmete del niño, durante cinco años y acepta visitarlo, a petición de Pulu. Finalmente tiene una falsa reconciliación con su hijo, que jamás piensa que es verdadero padre, y lo rechaza en todo los intentos de este, de acercarsele. Tras ello, se van juntos, a una vida miserable, ya que Apu, no ha cambiado, pero piensa, que estando con el, este su hijo, pueda entenderlo y quererle.

    La música vuelve a estar sublime. Las mejores escenas, son la discusión final de Pulu con Apu, la del padre de Pulu con Apu, la muerte de Aparna (Esposa de Apu) y donde el niño en el final del filme, acepta irse con él.

    En conclusión, el personaje de Apu, lo he odiado, pero la trilogia, nos da una acertadisima visión de la India, en concreto Bengala, en la epoca del Imperio Británico.

    * Brahmanes, son sacerdotes

    ** Hay que destacar también, la excelsa fotografía y las escenas, que adelantan sucesos de forma onirica, es decir, sin que los personajes hablen, sino por ejemplo como una bandada de pajaros anuncian la muerte de Durga etc.

    Veánla, les hará reflexionar y replantearse muchas aspectos de su vida.






    Los años de Apu (1950–1958)

    Ray había decidido que Pather Panchali —relato de formación, clásico, de la literatura bengalí (publicado en 1928 por Bibhutibhusan Bandopadhyay)—, serviría de argumento para su primera película. Esta novela, un tanto autobiográfica, describe el crecimiento de Apu, un niño pequeño de un pueblo de Bengala. Ray reunió a un equipo inexperto, aunque más adelante, tanto su operador de cámara Subrata Mitra como su director artístico Bansi Chandragupta obtendrían una gran aclamación. El reparto estaba formado en su mayoría por artistas aficionados. El rodaje comenzó a finales de 1952, empleando los ahorros personales de Ray. Tenía la esperanza de que, una vez se hubieran realizado las primeras tomas, sería capaz de obtener los fondos que necesitaba el proyecto; no obstante, esa inversión no llegaría.​ Pather Panchali fue rodado durante un período inusualmente largo de tres años, debido a que la filmación tan sólo se hacía posible de vez en cuando, cuando Ray o el encargado de producción Anil Chowdhury lograban reunir el dinero necesario.​ Gracias a un préstamo del Gobierno de Bengala Occidental, la película fue finalmente realizada y estrenada en 1955, obteniendo un gran éxito entre la crítica y el público. Recibió numerosos premios y fue proyectada en largas sesiones tanto en la India como en el extranjero. Durante la filmación, Ray rechazó la financiación mediante fuentes que requerían algún cambio de guion o la supervisión del productor, e ignoró los consejos del gobierno (que de todas maneras acabó financiando la película) de incorporar un final feliz uniendo a la familia de Apu a un proyecto de desarrollo.

    Mayor incluso que el ánimo de Renoir fue el recibido tras mostrar una secuencia a John Huston que se encontraba en la India buscando localizaciones para El hombre que pudo reinar. La secuencia muestra la particular visión que tienen Apu y su hermana del tren cruzando los campos. Era la única secuencia que Ray había filmado con sus escasos recursos. Huston notificó a Monroe Wheeler en el Museo de Arte Moderno de Nueva York que un gran talento asomaba por el horizonte.

    En la India la reacción al filme fue entusiasta. El periódico The Times of India escribió que «es absurdo compararla a cualquier otra muestra de la cinematografía hindú [...] Pather Panchali es puro cine».​ En el Reino Unido, Lindsay Anderson escribió un brillante artículo sobre la película.​ Aun así, la reacción no fue uniformemente positiva.

    Al parecer, tras ver la película, François Truffaut dijo: «No quiero ver películas de campesinos comiendo con las manos».​ Bosley Crowther, entonces, el crítico más influyente del The New York Times, escribió un artículo mordaz sobre la película que su distribuidor Ed Harrison creyó que acabaría con la película en cuanto fuera estrenada en los Estados Unidos, pero por el contrario, disfrutó de una estancia excepcionalmente prolongada en las salas.

    La carrera internacional de Ray comenzó realmente tras el estreno de su siguiente filmación, Aparajito (El invencible).Esta película muestra la eterna lucha entre las ambiciones de un joven, Apu, y la madre que lo ama. Muchos críticos, especialmente Mrinal Sen y Ritwik Ghatak, la valoraron incluso por encima de la primera. Aparajito ganó el León de Oro en Venecia. Antes de terminar la realización de la trilogía de Apu, Ray completó otras dos películas.

    La primera es la cómica Parash Pathar (La piedra filosofal), que fue seguida por Jalsaghar (La sala de música), una película sobre la decadencia del Zamindar, considerada una de sus obras más importantes.

    Ray no había pensado en una trilogía al rodar Aparajito, y tan sólo se lo planteó tras haber sido preguntado al respecto en Venecia.​ La última parte de la serie, Apur Sansar (El mundo de Apu) fue realizada en 1959. Al igual que las otras dos filmaciones previas, cierto número de críticos la consideraron

    el logro supremo de la trilogía (Robin Wood, Aparna Sen).Ray presentó a dos de sus actores favoritos en el filme Soumitra Chatterjee y Sharmila Tagore.La película nos muestra a Apu viviendo en un humilde piso de Calcuta. Se involucra en una inusual boda con Aparna, formando las escenas de su vida en pareja «una muestra de la afirmación positiva clásica en el cine de la vida matrimonial»,​ aunque la tragedia los aguarda. Tras ser Apur Sansar duramente criticada por la crítica de Bengala,

    Ray escribió un elocuente artículo en su defensa, un extraño suceso en la carrera fílmica de Ray (otro hecho similar ocurrió en relación con la película Charulata, la favorita del propio Ray).​ Su éxito tuvo poca influencia en la vida personal de Ray durante los años venideros. Ray continuaría viviendo con su madre, su tío y otros miembros de su extensa familia en una casa de alquiler.

    FUENTE:WIKIPEDIA




    (...)En realidad, las cintas cayeron tristemente en el olvido durante una serie de años ya que, tras un incendio en la década de los 70 en el que desaparecieron los negativos originales, sólo se conservaban algunas copias en mal estado, hasta que fue recuperada a final de los 90, razón probable por la que muchas personas desconocen este trabajo de Satyajit Ray. Las tres películas fueron realizadas en la India entre 1950 y 1959, ganaron el Premio Documento Humano en Cannes (1956), el León de Oro en el festival de Venecia (1957), el Trofeo Sutheland en Londres (1960), y abrieron sin duda un nuevo camino para el cine indio, que hasta entonces había permanecido en los confines del musical romántico de héroes valientes. Tal vez la razón de su importancia reside en que, a pesar de que las películas hablan sobre un tiempo, un lugar y una cultura muy lejos de la nuestra, Ray es capaz de conectar y transmitir con una naturalidad asombrosa sentimientos y calor humano en cada una de ellas. Dicho de otro modo, hacer del cine un medio universal, más allá de las fronteras, una forma de arte y comunicación entre las personas.

    El guión, también de Satyajit Ray, está basado en dos novelas casi autobiográficas del escritor bengalí Bibhutibhushan Bandyopadhyay que relatan la vida de Apu, comenzando por su pobre infancia en Benarés a principios del siglo XX hasta su resurgimiento desde la desesperación en la que se verá inmerso, gracias al amor de su hijo y a su reconocimiento como escritor.(...)

    Casi ninguno de los intérpretes son actores profesionales. En los años 50 está de moda el neorrealismo italiano y Ray es un fiel seguidor en todos sus aspectos, defendiendo a ultranza que todos pueden interpretar mejor que nadie un único papel: a ellos mismos.(...)
    Las tres películas fueron fotografiadas por Subrata Mitra con una cámara de 16 mm, un fotógrafo de estudio que había trabajado muy poco con imágenes en movimiento, al que Ray convenció para que trabajara con él. Los efectos logrados son de una belleza extraordinaria: los senderos de los bosques, nubes monzónicas que danzan y se juntan, ríos que bajan con grandes corrientes, escarabajos de agua nadando en la superficie de un estanque… Y una escena que da auténtico miedo, en la que la madre observa a su hija enferma con una fiebre altísima al tiempo que la lluvia y el viento golpea la casa, transmitiendo a golpe de cámara como único medio su temor, mientras el fotógrafo se mueve entre el reducido espacio de las paredes de la casa amenazada. Cuando la niña muere, la escena se interrumpe mostrando el vuelo repentino de los pájaros, sin más explicación, pero perfectamente comprensible en su significado.(...)

    Viendo la primera de las tres, se siente la necesidad de continuar con la trilogía, es como querer conocer más de alguien muy cercano. Como un remanso cinematográfico tranquilo y sin más efectos que el de los personajes en estado puro que nos acerca más a lo esencial de la vida, sin trampas, sin artificios. Como un manifiesto que afirma rotundamente qué puede llegar a ser el cine, sin importar lo lejos (en el espacio o el tiempo) que podamos estar los unos de los otros.

    FUENTE: PUERTADEBABEL








    “Sé que Satyajit es maestro en múltiples artes, que van de la música al diseño, de la literatura al montaje. Pero es su trabajo como realizador el que ha sido y es indispensable para todos nosotros. Realizador en la gran tradición del humanismo, ha tomado siempre su inspiración de los hombres y las mujeres, de sus vidas, sentimientos y relaciones. La humanidad ha sido el núcleo de sus preocupaciones esenciales. Su estilo ha venido modelado por esta visión.”
    Lindsay Anderson

    “Lamento profundamente no haber fotografiado jamás a Satyajit Ray. Experimento tal admiración por su trabajo que cada vez que nos encontramos, dominado por el placer de su conversación, me olvido de la cámara fotográfica. ¡Discúlpenme por ser tan mal periodista!”
    Henri Cartier-Bresson

    “En la época en que Stanley Kubrick y yo trabajábamos en 2001, una odisea del espacio, Satyajit estaba preparando el guión de The Alien, deliciosa historia sobre una nave espacial tripulada por un único ser de corta talla que aterriza en una atrasada aldea de la India. Con un extraordinario entusiasmo Mike [Wilson] llevó a Satyajit a Hollywood, firmó un contrato con Peter Sellers, descartó a Marlon Brando y llegó a un acuerdo con la Columbia. Y, de pronto, todo se frustró y The Alien se convirtió en uno de los más célebres proyectos nunca realizados de la historia del cine (…) Pese a numerosas tentativas de revivir The Alien, ninguna llegó a materializarse. Es una pena que se haya generado una cierta frialdad entre Satyajit Ray y Steven Spielberg (…) porque E.T. y The Alien desarrollan temas similares. Pero este tipo de coincidencias tampoco es raro: como el propio Steven Spielberg ha señalado, cuando el guión de The Alien estaba circulando por Hollywood, él todavía estaba en el colegio.”
    Arthur C. Clarke

    “Recuerdo una historia que usted me contó, hace ya algún tiempo, durante un festival de cine en la India. Me habló de un árbol inmenso que se encuentra en algún lugar de su país y que tiene casi una milla de perímetro. No sé por qué me acuerdo tan a menudo de esta historia. Quizás sea porque, desde nuestro primer encuentro, he tenido siempre la impresión de que usted es esa clase de persona que se parece a un árbol inmenso en los bosques indios. Yo le ruego que siga creciendo hasta alcanzar ese perímetro de una milla. Usted es el único que podría convertirse en un árbol así. Yo rezo porque le vaya bien y conserve fortaleza (…).”

    “No haber visto el cine de Ray es como existir en este mundo sin haber visto el sol o la luna.”
    Akira Kurosawa

    “Satyajit Ray es un cineasta extraordinario con una carrera larga e ilustre que ha dejado una profunda influencia en cineastas y público de todo el mundo. Al premiar a Satyajit Ray, la academia quiere ayudar a que un público más amplio conozca su obra, especialmente las nuevas generaciones de realizadores a quienes, sin duda, su obra les influirá positivamente.”
    George Lucas

    “Ray es mágico: la sencilla poesía de sus imágenes y su impacto emocional, que me acompañarán siempre. Su obra figura junto a la de contemporáneos como Ingmar Bergman, Akira Kurosawa y Federico Fellini.”
    Martin Scorsese

    “He admirado sus películas durante años y para mí, es la voz fílmica de la India que habla por la gente de todas las clases sociales del país… Es el artista más sensible y elocuente y, en su caso, pude decirse realmente que nos sentimos honrados honrándole.”
    Elia Kazan

    “Satyajit Ray figura entre los más grandes directores de cine… vivos o fallecidos. ¿No resulta curioso que la más reciente forma de expresión artística haya encontrado una de sus más profundas y más fluidas expresiones en la obra de un artista como Ray, quien debe realizar sus films perfectos —muchos de ellos son indudables obras maestras— en un caótico e inestable rincón de una de las culturas más antiguas del mundo, en medio de la más descorazonadora falta de medios y tecnología modernos de filmación?…”
    James Ivory

    “El conjunto extraordinario de su obra no sólo ha influido enormemente a muchos cineastas, también lo ha hecho en gran modo en su postura humanitaria. La aparente “simplicidad” de sus películas es la señal de un auténtico gran maestro.”
    John Schlesinger

    “Como Renoir y De Sica, Ray ve que la vida en sí misma es buena a pesar de lo mala que sea. Es difícil discutir un arte que es una afirmación de la vida, sin miedo a parecer sensiblero. ¿Pero existe algún otro tipo de arte, en la pantalla o donde sea? “En el cine” dice Ray “debemos seleccionar todo a través de la cámara de acuerdo a la riqueza de su poder revelador”. Ray es a veces —para nosotros los occidentales ¿y quizá también para los orientales?— algo pesado, pero ¿qué gran artista ajeno al cine o el teatro no lo es?

    Lo que Ray tiene para ofrecernos es tan enriquecedor, de una gran profundidad de pensamiento —algo a lo que no estamos acostumbrados en el medio cinematográfico, excepto quizás en el documental—, que empezamos a aceptar asomos de distracción durante los momentos “tediosos” con el mismo tipo de relajación, confianza y cariño que sentimos por las tediosas descripciones en las grandes novelas y poemas épicos.”
    Pauline Kael







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  19. #10
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    The Cave of the Yellow Dog (2005)






    Producción mongolesa-alemana de 2005, donde sin ser un documental, nos cuenta la vida durante un verano, de una familia, del país de Ghengis Khan, y como la llegada de un perro, encontrado por la hija mayor, les hará replantearse muchos aspectos de su vida.

    Lo primero, que llama la atención del filme, de la directora, es el paraje excepcional, donde se rodo, acompañado perfectamente, por una sublime banda sonora (OST) firmada por Dagvan Ganpurev y Börte. Lo siguiente, que atrae, es que los protagónicos, no son actores, sino una familia real y que le da un toque muy humano y cercano, ya que son ellos mismos frente a la camara y se nota, que lo pasarón bien, ya que practicamente la realizadora, les diría "Sed vosotros mismos".

    El filme aborda mucha de la realidad, de aquel momento y de ahora, del nómada en Mongolía. Donde ya sufría y sufre, una despoblación, en un territorio enorme, donde sólo viven 2.5 millones, que conviven con más de 25 millones de animales domésticos, que podemos contemplar en el filme, como Yaks, cabras, ovejas etc.

    El tema central, es porque el perro, no puede pertenecer a la familia, la explicación es sencilla. Al ser tantas mascotas y animales de crianza o trabajo, muchos de los nomadas (Los que dejan, el campo por la ciudad), abandonan a los perros y estos, se juntan con los lobos, lo que hace, que crezca exponencialmente la población de perros salvajes, y en casos extremos, que estos se mezclen, es decir nazcan perros o lobos mixtos. No es que no quieran, al perro, es que para ellos, es una amenaza, ya que al ir disminuyendo la gente nómada, no se puede estar atento, a todos los ataques, que sufre su ganado.

    Otros aspectos, que toca la producción, son muchos aspectos sociales, entre otros, los siguientes:

    1) La religión, donde son budistas, aparece una foto del dalai lama. Y es más, muchas de las frases, se enfrascan, en este culto. Como la primera, "Todo el mundo muere, pero nadie esta muerto"

    2) La modernización, que se ve reflejada en los presentes, que trae el padre, de su viaje a la cuidad: Un perro de peluche a pilas, un cazo de plástico verde etc.

    3) La indiferencia, ante la politica, ya que en ese mismo viaje, en un papel de periodico, que envolvia uno de los presentes, pregunta a su esposo "¿Que paso con las elecciones? ¿Quién gano?, y el marido responde "Ni idea, no lo se". Es curiosa la imagen del final, cuando ellos se van, del lugar de verano, y se ve pasando un coche, pidiendo, que no se olviden de votar. Lo que refleja, y refuerza la idea, de aunque no les importa, en demasia, el gobierno, esta más occidentalizado y es más menos a los unicos, que les preocupa.

    4) El tema de la familia, donde todos ayudan y se cuidan a si mismos, porque sino no pueden vivir. Y aunque los niños trabajan, pero estudian, estos lo hacen sin queja alguna

    5) Se nos muestra también, que hacen con los animales muertos, ya sean de viejos, para comer o cazados por los lobos. El como la leche, es el pilar fundamental, de la alimentación.

    6) La Yurta, que es lo que acá diriamos, cabaña, es el centro de la vida. Hay que tener, en cuenta que es un hogar temporal.

    7) El amor por la naturaleza, de ella aprovechan todo, pero no la maltratan.

    y 8) La eduación, de los hijos, el como se siente orgullosos, de que estos puedan estudiar.

    Pasando a otros asuntos técnicos, destaca, la excelente fotografía, que juega, con la luces duirnas naturales y las más artificial, la de una linterna, por la noche.

    Tras todo lo mentado, sólo me queda, por escribirles, que la vean, se relajen, y disfruten, de una vida díficil, pero tranquila y a la vez satisfactoria, si te sacrificas un poco, y eres constante.

    Postdata:

    Esten atentos a los buitres, son la clave, junto al perro Zochor (Lleno de vida en mongol).

    No les va a defraudar.





    El cine de Mongolia ha sido fuertemente influenciado por el cine de Rusia, que lo diferencia de los desarrollos cinematográficos en el resto de Asia.

    Historia
    Se supone que las primeras actuaciones cinematográficas en Mongolia ocurrieron entre 1903 y 1913, como acontecimientos privados para el príncipe Tögs-Ochiryn Namnansüren y el Jebtsundamba en la capital Urga.

    Después de la revolución socialista, el Partido Revolucionario Popular de Mongolia decidió en su quinto congreso de 1925 usar el cine como un instrumento de educación de masas. A partir de 1926, las instalaciones de proyección móvil mostrarían regularmente películas soviéticas al pueblo mongol. El primer cine permanente "Ard" abrió sus puertas en la capital (ahora llamada Ulaanbaatar) en 1934. Eventualmente, cada centro aimag o tribu importante tendría cines fijos, y todas las sumas de Mongolia o negdel tendrían un cine móvil. En la década de 1990, muchos cines, tanto fijos como móviles, cerraron o redujeron sus actividades.

    Mongol Kino

    Los estudios nacionales de cine, Mongol Kino, fueron fundados en 1935, con asistencia técnica soviética. Sus primeras producciones fueron un documental sobre el "47th anniversary of the 1st May" y una historia de ficción titulada "A Mongol son" (Mongol Khüü) dirigida por el ruso Ilya Trauberg y el mongol Demberel Baldan.

    La primera película dirigida por Mongolia fue el cortometraje en blanco y negro "Norjmaa's Destiny" (Norjmaagiin Zam) de Demberel Baldan en 1938.

    A partir de entonces, la producción de la película mongola se centró en torno a la heroica propaganda revolucionaria y antiguas leyendas populares, a menudo bajo la dirección rusa. Este programa tuvo mucho éxito con películas como "Sükhbaatar" (1942) y Tsogt Taij (1945). Los estudios de Mongol Kino también produjeron documentales y noticias actuales.

    1950s y 1960s

    Después de la Segunda Guerra Mundial, el partido movió el foco en héroes de la clase obrera, reflejados en películas como "New Year" (Shine Jil, 1954) por Tseveeny Zandraa. Ejemplos de este género son "Awakening" (Serelt, 1957) de S. Genden y "The Rejected Girl" (Gologdson khüükhen) de Dendevyn Chimid-Osor. En 1955, apareció la primera comedia musical, que comenzó una tendencia que continuó en los años 60. La primera película en color fue "(Altan Örgöö, 1961), basada en un cuento popular. Fue producido en cooperación con los estudios DEFA de Alemania Oriental. La música de la película, escrita por L. Mördorj, fue tocada y grabada por la orquesta de la RDA y se convirtió en un clásico de la sinfonía mongola.

    1970s y 1980s

    Mientras que la producción de documentales aumentó, las historias ficticias volvieron a la vida cotidiana en los años 70. Una de las películas más famosas de ese tiempo, "The Crystal Clear Tamir River" (Tungalag Tamir, 1970) de Ravjagiin Dorjpalam, basado en la novela de Chadraabalyn Lodoidamba, se establece sin embargo durante la revolución de 1921 de Mongolia. Otras producciones conocidas fueron "The Legend of the Mother Oasis" ("Ehe Bürdiin domog"), producida en 1976 por Gombojav Jigjidsuren y Jamyangiin Buntar , y "The Five Colors of the Rainbow" (Solongiin tavan) (Garid Magnai, 1983) de Jamyangiin Buntar marca un punto de inflexión, donde los autores se liberan de las estructuras de poder existentes.

    1990s y 2000s
    Tras la introducción de la economía de mercado, la mayoría de los cines móviles y permanentes cerraron. Las producciones mongolas tuvieron que buscar socios fuera del antiguo COMECON. Sin embargo, algunos jóvenes cineastas del período de transformación, como N. Gankhuyag, B. Uranchimeg, J. Binder, hicieron películas de éxito nacional.

    La película "Genghis Khan, Under Power of the Eternal Sky", protagonizada por Enkhtaivan Agvaantseren fue la primera coproducción mongol-japonesa. "State of Dogs" (Nokhoin Oron, 1998) fue escrito y dirigido en colaboración por el belga Peter Brosens y el mongol Dorjkhandyn Turmunkh.


    El director Byambasuren Davaa ha tenido éxito internacional con las coproducciones germano-mongoles The Story of the Weeping Camel (2003, nominado para un premio de la Academia como documental extranjero en 2005) y The Cave of the Yellow Dog (2005).


    "Elsnii Nuudel" , fue una exitosa película producida para el mercado nacional en 2007. Más tarde las películas conocidas son" Iim negen durlal", "Goyoliin Daashinz" etc.

    La película histórica de 2008 "A Pearl in the Forest", por el director Enkhtaivan Agvaantseren es una de las primeras películas para hablar abiertamente sobre los acontecimientos de la década de 1930 y el impacto del ascenso del comunismo soviético en Mongolia. Es también una de las primeras películas destinadas a presentar la historia de los buriatos, uno de los grupos étnicos presentes en Mongolia.




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    Not One Less (1999)





    Pequeño clásico chino, de ese director genial, en sus comienzos, que fue Zhang Yimou. En este caso, una niña de 13 años, se le asigna la labor, de ser profesora, de un colegio, en una pequeña aldea, durante un mes. Cobrará, si en ese periodo de tiempo, ninguno de sus alumnos deja los estudios.

    Primeramente diré, que hay que enfocar, el filme, desde dos perspectivas:

    1) La cinematográfica, ya que más que película, es un semidocumental

    Y 2) La política.

    La primera, nos muestra, el tono, de un drama de superación y amistad de una clase pequeña, donde todos aportan algo. Mientras que la segunda, es una denuncia en todos los frentes al sistema educativo chino.

    Hay que tener en cuenta, que Yimou, vivio en carne propia, " La Revolución Cultural"*, y por ello, y aunque fue este el primero de sus filmes, en recibir apoyo del gobierno, pinta a estos, como aprovechados, y que solo les interesa la educación, si pueden sacar tajada de ello.

    Todo esto, se puede comprobar en lo siguiente:

    1) El profesor, que aunque es responsable, tiene meses sin cobrar y no puede cuidar a su madre enferma o tener vacaciones

    2) El alcalde, se le pinta como a un cacique, sólo interesado, en el dinero y sacar su parte para beneficio personal, se ve ello claramente al final del filme

    3) Los medios de comunciación, tanto la TV, que sólo se interesa por el caso de la protagonista, porque ven, que pueden obtener una gran audiencia. Y como se pinta la radio, como un medio ineficaz, con un sistema de avisos inservible, para los tiempos modernos. Por no decir ya, la mala imagen hecha, casi a proposito, del funcionario, representado en la recepecionista, que sólo seguía las normas. No hay que caer en la trampa, del productor, se interesa en ello, por dinero y por reitero, el rating, que va a obtener.

    4) Muestra, la diferencia campo ciudad, y aunque es cierto, que hay mucha desigualdad. Se nos deje entrever, que aún hay trabajo infantil encubierto.

    5) Se nos muestra, como algo bueno, que los niños puedan beber Coca-Cola, esa escena, de tierna, con el perdón no tiene nada. Más bien, es un guiño, al gobierno, ya derechizado del PCCH, de abrirse a las grandes marcas y a abrazar, el capitalismo en todas sus consecuencias. Hoy día, la brecha campo-ciudad, es aún más amplia que en época, de Mao y la clase media tiende a desaparecer en el país, que ve, como aumentan los multimillonarios.

    Y 6) En referencia al cinco, también se ve, en las escenas de la estación, donde la mayoría son gente de campo, que llega a la ciudad, y tiene que mendigar.

    Podría poner más ejemplos, de fustigamiento al sistema educactivo comunista chino, por parte de Yimou, pero es bueno, que vean el filme, y saquen sus propias conclusiones.

    En el aspecto actoral, hay que decir, que no son actores/actrices, son gente real, todos ellos. Por ejemplo, de la protagonista podemos leer en inglés, que fue de ella, tras esta producción, en estos links:

    http://www.china.org.cn/english/features/cw/214270.htm

    http://www.womenofchina.cn/womenofch...1511/335-1.htm

    Lo bueno, y aunque sea cliché, es que al no ser actores/actrices reales, valga la redundancia, le da un toque de realismo, que es de agradecer.

    Tiene una buena fotografía, una buena OST (Banda Sonora) y un guión bien hilvanado, que te mete poco a poco, en la producción.

    *Explicaré, un poco, lo de "La Revolución Cultural". Digamos, que tienes un gobierno, que en príncipio, esta ayudando al pueblo, pero parte de este, se va acomodando, y los grandes cargos, como en toda la vida, van acaparando riquezas, poder etc, y la revolución, va perdiendo paulatinamente su sentido hasta ser una caricatura. Lo que sucede, es que Mao, se dio cuenta de ello e intento, tal vez no bien planteado, una "Revolución dentro de la revolución", desde abajo y no desde arriba, para que esta no muriese. Lo malo, es que las clases altas del partido ya estaban muy infiltradas, y los famosos "Guardias Rojos", que se les atribuyen multitud de barbaridades, no eran tales, sino "Guardias", pagados por las elites del Propio PCCH, para hacer, que esa revolución desde abajo fracasará, de ahí los actos violentos. Mao, y se puede buscar y encontrar por la red, condeno a "Guardias Rojos", por vendettas personales etc, incluso más, los obreros mediaban entre los distintos "Guardias Rojos", para que hablasen y se entendieran. Pero esta fracaso, a Mao, le quedaba poco de vida, y los altos cargos de la Via Capitalista, se llevaron el gato al agua, a partir, de ahí, todo lo que hay, en producciones cinematográficas, libros etc, esta escrito por revisionistas afines a esa linea. De la cual, se deriva más adelante, al incidente de Tianammen, pero ello es otra historia, que se puede tomar, como una revuelta, para volver a lo que Mao predicaba, o como una pro occidentalización.

    Volviendo al filme y concluyendo, yo recomiendo verlo, de manera apólitica y una vez visto, investigar y luego debatir sacando, cada uno sus propias conclusiones.

    Una hora y casi cuarenta y tres minutos, que os harán reflexionar.





    Suele decirse que lo importante no es como empiezan las cosas, sino como acaban. La infancia del hoy afamado director de cine Zhang Yimou no fue precisamente un camino de rosas. La simpatía de su padre, su tío y su hermano mayor por el Ejército Nacional Revolucionario le complicó las cosas mientras se criaba en la China de Mao Zedong. En plena Revolución Cultural, el joven Zhang se vio obligado a abandonar sus estudios y a ganarse la vida primero en una granja y, posteriormente, en una algodonera hasta que en 1978 se matriculó en la academia de cine de Pekín.
    Durante varias décadas, el deficitario sistema educativo de la República Popular China hizo que varios millones de niños no lograsen completar, o ni siquiera empezar, sus estudios, sobretodo en el entorno rural. En 1999 Zhang Yimou llevó a la gran pantalla este drama con la película «Ni uno menos» (Yíge dōu bùnéng shǎo, 1999), una conmovedora historia en la que se pone de relieve la reforma del sistema educativo emprendida por el gobierno a mediados de los ochenta y el abismo económico aún existente entre los pueblos y los grandes núcleos poblacionales.
    «Ni uno menos» narra la peripecia de Wei Minzhi, una niña de trece años de edad a quien se le encomienda la labor de sustituir a un maestro, Gao, en una pequeña aldea del condado de Chicheng. Zhang Huike, el niño díscolo de la escuela, decide abandonar los estudios para buscarse la fortuna en la ciudad de Zhangjiakou. Es entonces cuando Wei, haciendo gala de una gran obstinación, huye a la urbe en su búsqueda.
    La película se basa en el libro «Hay un sol en el cielo», de Shi Xiangsheng. El autor de la novela, al igual que Yimou, sufrió en primera persona las consecuencias de la Revolución Cultural. Fue enviado a la provincia de Xinjiang para trabajar como campesino. Tras años como agricultor, se convirtió en profesor y posteriormente en escritor.
    A finales de la década de los noventa, Zhang Yimou decidió llevar al cine esta historia en la que se pone en tela de juicio el éxito de las políticas educativas de la República Popular de China y cuyo principal campo de batalla era frenar de algún modo la continua sangría de niños que abandonaban sus estudios en las escuelas rurales. El director recurrió para eso a un estilo propio del documental y de marcado carácter neorrealista. La puesta en escena es espartana, carente de artificios. Se trata, en cierto modo, de la vida misma. La cotidianidad de unas aldeas cuyos medios se encuentran a años luz de las urbes.
    Y es que, en «Ni uno menos» casi todo es lo que parece. El elenco de actores está integrado en su totalidad por intérpretes no profesionales. Sin ir más lejos, alguno de ellos incluso se interpreta a si mismo. Tal es el caso del alcalde Tian Zhenda, regidor por aquel entonces de un pueblecito en el condado de Yanqing, o Wei Minzhidel maestro Gao Enman, docente en ese mismo municipio. Por su parte, los protagonistas principales, Wei Minzhi y el pequeño Zhang Huike, estudiantes de secundaria y primaria, respectivamente, fueron seleccionados entre miles de aspirantes entrevistados en numerosas escuelas rurales.
    La meta del director era dotar a la película de la máxima naturalidad y evitar en la medida de lo posible su interferencia en la interpretación de los actores, especialmente durante las escenas que acontecen en el interior de la paupérrima aula de la escuela de Shuiquan. A tales efectos, Yimou utiliza cámaras y micrófonos ocultos, lo que permite conservar casi inalterada la espontaneidad de los intérpretes. Del mismo modo, la fotografía del cineasta Yong Hou es limpia y sencilla. La mayoría de las escenas fueron rodadas con luz natural, otro de los atributos que contribuyen a reforzar esa sensación de documental que acompaña a todo el metraje.
    A pesar de todo, es preciso comentar que la decisión de emplear a actores no profesionales también supuso un gran reto para el equipo de rodaje y especialmente durante el montaje, realizado por Ru Zhai. La arriesgada propuesta de Yimou se tradujo en un ratio de película-rodada a película-utilizada de 35 a 1. Habitualmente, la relación suele ser de 3.5 a 1 si se quiere evitar un gasto excesivo. A pesar de todo, se empleó una película de 16 mm –posteriormente recortada a 35 mm- que permitió reducir ostensiblemente los costes.
    El fantasma de la censura planeó desde un primer instante sobre «Ni uno menos». Zhang Yimou, que en los albores del siglo XXI se encontraba en pleno acercamiento al gobierno chino, vio lastrado su trabajo como fruto de la constante presencia de los censores. Este fue el primer proyecto de Yimou en recibir financiación del estado, pero no a cualquier precio. El ejecutivo estableció –entre otras condiciones- que se debía evitar en todo momento ofrecer una imagen de una China demasiado atrasada y pobre. Las localizaciones son reales pero fueron cuidadosamente seleccionadas, lo cual hace que se tambalee, en cierto modo, esa pretensión documental del film. Asimismo, el gobierno exigió que en los créditos finales se indicase que un millón de niños dejaban la escuela cada año, cuando en realidad, en aquellas fechas, se sostiene que la cifra se acercaba a los tres millones.
    Aula
    «Ni uno menos» plantea una serie de temas cuyo principal eje es la ausencia de oportunidades en el campo chino frente a la bulliciosa vida de las ciudades. Zhang Yimou abre al espectador las puertas de una humilde escuela donde las tizas se cuidan como oro en paño, donde el maestro –que no cobra su sueldo desde hace varios meses- se ve obligado a dormir en un pequeño cuartucho acompañado de varios de sus alumnos y donde los métodos educativos son anticuados. Tan sólo un ínfimo porcentaje de los pequeños logra escapar de las garras de la miseria, como es el caso de la pequeña Ming Xinhong, descubierta por un caza talentos por su gran potencial para el atletismo.
    Del mismo modo, Zhang Yimou enfrenta el carácter gentil de la vida en el campo a la indiferencia de la ciudad. Critica con sutileza al implacable estado burocratizado y a las constantes figuras del poder que es preciso sortear en el día a día. Por otra parte, retrata a una sociedad en la que todo tiene un precio y en la que tan sólo la perseverancia es capaz de romper barreras. «Ni uno menos» hace especial hincapié en el poder de los medios de comunicación, capaces de conmover el alma de una ciudadanía que –en el cara a cara- se manifiesta con frialdad ante la desgracia ajena.
    La puesta de largo de «Ni uno menos» tuvo lugar el 7 de septiembre de 1999 en el Festival de Venecia, donde fue galardonada con el León de Oro. Previamente, la película fue rechazada en el Festival de Cannes al considerar que se trataba de una obra propagandística a favor del gobierno chino. En respuesta, Zhang Yimou decidió retirar «El camino a casa» (Wo de fu qin mu qin, 1999) -que había sido seleccionada en la sección oficial del festival- y subrayó que «las películas eran apolíticas».
    «Ni uno menos» es un ejercicio de simplicidad elevado a la categoría de obra de arte. Se trata de la novena película de la filmografía de Yimou, quien deja clara su gran capacidad para narrar sin necesidad de artificios y su madurez como director. La película se alza como una suerte de obra poética con un poso amargo que pone sobre la mesa un tema capital como es el acceso a una educación universal. Un final, escrito con unas tizas de colores, que invita a reflexionar sobre la simpleza de las cosas que realmente importan.

    FUENTE: ElBarcoDeCristal


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  23. #12
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    When the Tenth Month Comes (1984)




    Filme vietnamita, en donde una mujer casada, pero que esposo murio en la guerra, intenta ocultar con ayuda de un profesor, la muerte, de su conyugue, para estar a bien con su familia, con el metodo, de escribir cartas falsas, por parte del docente, haciéndose pasar por su marido.

    Lo primero, que impacta del filme, nada más comenzar, es su asombrosa, OST (Banda Sonora), que durante todo el metraje, hace en muchas escenas de narrador del mismo, y le da toques de lirismo y tristeza y al revés, de alegría o pasión. Personalmente, su acedor, Phu Quang, hizo de ella, toda una delicia.

    Lo segundo, es rodar en B/N, ya que al hacerlo de esta manera, le da más punch (Fuerza), al guión, hecho del propio director, que acogio para el mismo, una leyenda, "El día del perdón", que se da al décimo mes del fallecimiento de una persona, que ayuda a entender, el porque la mujer sigue queriendo a su esposo, aún a sabiendas, que murio en el frente.

    Lo tercero, es la incursión, de una obra de teatro cantada local, que es muy similar, a la opera Huangmei China. Hay que recordar, que los hijos del dragón, estuvieron presentes, en el país del sudeste asiático, más de un milenio. Esta "Opera", es crucial en la trama, ya que la mujer, en asuencia del varón, se acoge al profesor, como ese persona, que le puede aliviar, la muerte de su esposo. Sin embargo, es más cariño, que amor, sin embargo, el docente, lo que siente es puro amor por ella.

    Este filme, esta considerado, como una de las obras cinematográficas, de Vietnam, y también lo ven así expertos y espectadores, que la visionarón fuera del país asiático.

    Lo que nos viene a decir la producción, es que el amor, a la familia y en concreto a la persona, con la cual compartes la vida, es lo más importante, pero la película, también tiene una vertiente política y social.

    La política, porque se enmarca en la guerra, contra Camboya y sus Jemeres Rojos, de hecho se nombra a su líder, Pol Pot, en una pequeña escena, donde el docente, necesita inspiración, para una de las cartas falsas, y escucha el nombre del jefe supremo de los Jemeres Rojos, en una noticia radiada.

    Y la social, se enmarca, en cuanto, se descubre, por descuido de él, que ella, esta falsificando las cartas, y piensan, que él, y la viuda (Es decir ella), tienen o mantienen un romance. Ahí se ve, que la comunidad del poblado, es muy digamos arcaica, y no ve con buenos ojos, en que ella casada, mantenga ese affaire con él, cuando en realidad, no han hecho nada de nada.

    Totalmente recomendable, un brillante melodrama, que gustará a todos/as.







    Desde la creación en 1953 de la cinematografía de Vietnam, mediante un Decreto firmado por el Presidente Ho Chi Minh, el sector atravesó por momentos difíciles, pero también ha cosechado logros dignos de orgullo. El hito más importante del Cine revolucionario de Vietnam lo marcó la película “Compartiendo un mismo río”, producida en 1959, por la Agencia de Cinematografía vietnamita.

    Las creaciones posteriores alcanzaron un alto nivel tanto en el contenido como en la forma de plasmarlo artísticamente, y se pueden mencionar entre otras obras “La pareja de A Phu”, “El zosterop” , “La señora Tu Hau”, “Camino a la tierra natal”, “El paralelo 17, día y noche” y “La niña de Hanoi”… Una gran cantidad de largometrajes producidos en este tiempo trataba de la guerra, pero se registraron también muchas otras referidas a la construcción de la joven república después de conquistada la independencia nacional, como “Historia de los Luc” o “Cita ordinaria”…

    Después del 30 de abril de 1975, con la liberación total del Sur y la reunificación del país, salieron a la luz notables películas, entre ellas “Campo desierto” y en especial “Cuando llega el mes de octubre”, del realizador Dang Nhat Minh. Esta última figura entre las clásicas de Vietnam y en la lista de los 18 filmes asiáticos de excelencia de todos los tiempos, según una clasificación en 2008 de la agencia de noticias CNN de Estados Unidos. El prestigioso cineasta Dang Nhat Minh recordó un tiempo difícil pero glorioso: “En aquel entonces nos dedicábamos al cine con una pasión especial hacia la profesión y un corazón que latía junto al destino del país. Nos motivaba el amor a la patria, y solo queríamos crear películas de la mejor calidad, que reflejen de modo fiel la vida combativa del pueblo y que toquen al corazón de los espectadores.”



    El período de renovación emprendido en 1986, marcó el desarrollo de este arte, con obras sobresalientes como “La muchacha en el río”, “El general retirado” , “Una infancia agitada”, “La encrucijada de Dong Loc”, o “Hanoi 12 días y noches”… Los documentales también dieron un gran paso de avance, y ayudaron que Vietnam se posicionara en un alto nivel en consecutivos festivales de cine de Asia- Pacífico, con importantes premios otorgados a “De regreso a Ngu Thuy”, “El sonido del violín en My Lai”, o “Tierra campestre”…

    En su proceso de desarrollo, la cinematografía vietnamita pasó por altibajos, y en los años 90 del siglo pasado, hubo películas que solo sirvieron para atraer a la gente a las salas de cine sin prestar mucha atención a la calidad del contenido y la factura artística, pero este fenómeno no tuvo duración. En 2003, el taquillero largometraje “Bailadoras” del productor Le Hoang significó un nuevo inicio para los filmes comerciales, y al mismo tiempo contribuyó al entusiasmo de los amantes del séptimo arte en el país. Siguiendo la tendencia integracionista, en los últimos 10 años, la cinematografía nacional registra importantes progresos, con el crecimiento de numerosas compañías privadas y la

    participación de productores y actores vietnamitas residentes en el exterior en esta industria. Hong Anh, una actriz destacada con premios importantes en festivales nacionales de cine expresó: “Al mirar atrás los 60 años de desarrollo del cine nacional, me siento orgullosa porque me he vinculado con una cuarta parte de esta obra. Han transcurrido 16 años desde que recibí el primer galardón con la película “Vida de la arena”. En mi opinión, el cine vietnamita ha logrado transformaciones muy notables”.



    Desde el primer Festival en Hanoi en 1970 hasta el décimo octavo en Quang Ninh en 2013, cada edición no solo es un gran acontecimiento profesional para seleccionar las obras más sobresalientes, sino que también es encuentro esperado por realizadores y actores para poder intercambiar sus experiencias y contribuir más al cine nacional. Ngo Phuong Lan, encargada del Departamento de Cinematografía de Vietnam afirmó: “En los últimos 60 años, el cine de Vietnam siempre acompaña al país y sirve a distintas generaciones de espectadores. Pero los que hoy se dedican a este arte no solo se enorgullecen de las glorias del pasado, sino que deben lograr dejar sus propias huellas en este período de integración de la cinematografía.”

    El décimo octavo Festival de cine de Vietnam alcanzó una cifra impresionante de filmes participantes: 139 surgidos de 44 estudios en todo el país. Las obras galardonadas para distintos géneros, desde el largometraje, documental hasta filmes científicos y animaciones respondieron a las expectativas de los expertos y el público. Sus resultados positivos hacen que los cinéfilos nacionales confíen más en el avance de la industria cinematográfica de Vietnam en la nueva etapa.

    Fuente: vovworld




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  25. #13
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    My Neighbor Totoro (1988)




    Volví a visionar, tras no hacerlo en años, esta delicia, que es Mi Vecino Totoro. En ella, dos hermanas, junto a su padre, se trasladan al campo nipón, de los años 50. Estando allí, a parte de visitar a su madre enferma, conoceran, a un ser especial: Totoro.

    En si, el filme, no dice mucho, en cuanto a argumento y guión, pero si buscan a fondo, encontrarán, como en todas las obras del estudio de Ghibli, muchos temas a debatir, tras su visionado. En esta ocasión son los siguientes:

    1) La naturaleza, o más bien, el mostrarle respeto y cuidarla. Aquí se enmarcaría la visión fantástica, de la producción, con Totoro, el gato autobus etc.

    2) La manera bonita, de tratar la enfermedad de la madre, que esta aislada en un hospital. En lo que puede intuirse debe ser una enfermedad contagiosa, aunque historicamente esta probado, que por ejemplo, los japoneses enviaban a los leprosos a islas, para tenerlos fuera de la sociedad. Acá no es el caso, tal vez sea tuberculosa.*

    3) La magía de la infancia, con la amistad por encima de todo entre las hermanas.

    4) La nostalgía del pasado de vivir, en el campo japonés. O más bien, el ambiente bucolico.

    5) El como el padre, deja que la imaginación de sus hijas no sea cortada, y como las apoya, y en manera didactica, les explica lo inexplicable, como son los seres del bosque, que sería acá Totoro y su troupe.

    Y el resto deben averiguarlo por si mismos, ya que este película, es diferente en sentimientos etc, para todos/as aquellos/as, que la visionen.

    La parte de la OST, es completamente deliciosa, tanto en su opening genial y un ending todavía mejor, que incluye, lo que sucede con la mama etc. Le debemos esta maravilla, al no menos genial, Jô Hisaishi.

    El dibujo, que decir, es Miyazaki, y sus ayudantes, y como siempre, están bien definidos, hechos a mano, y quedas extasiado al verlo. Con los colores jugando para las partes reales y para las mágicas.

    Escenas a destacar, prácticamente todas, pero yo pondría las siguientes:

    1) La niña, diciéndole a la anciana, "Otras veces ya nos dijeron que era un resfriado", diciendo, que lo de su mama, no es un simple constipado.

    2) Cuando aparece el gato autobús.

    3) El como la hermana menor, conoce a Totoro, no se puede ser más tierno y divertido.

    4) La escena, por antonomasia del filme, la espera, del autobus, por parte de Totoro, y la entrega de la hermana mayor, del paraguas, de su padre a este.

    Y asi muchas más.

    Es un filme, para poner a los niños y a los mayores, porque se debe visionar una o incluso más veces, en vida, porque te reconcilia con ella.

    *Recomiendo vean la obra magna de Kon Ichikawa, Her Brother/Ototo de 1960, para comprender, el porque apartaban los nipones a ciertos enfermos, como los citados en el punto, los leprosos. En el filme, de Ichikawa, no es la lepra, la enfermedad

    No dejen de verla.






    CONTEXTO MI VECINO TOTORO
    Como todos sabemos, Totoro es el personaje que pone la cara a Studio Ghibli, y
    por así decirlo el representante oficial del mismo. Lo que poca gente sabe, es que este
    hecho no fue gracias a la gran audiencia o los buenísimosresultados que obtuvo la
    proyección del film. Aunque no fueron del todo malos, Mi vecino Totoro no tuvo el
    éxito esperado, pero gracias a todo el merchandising que se consiguió vender más tarde,
    el estudio consiguió sanear las cuentas y financiar proyectos futuros.
    Totoro se convirtió, a partir de ese momento, en una clave dentro del estudio e
    incluyeron su imagen como sello de Ghibli.
    Fueron varias las obras que inspiraron a Miyazaki para la creación de Mi vecino
    Totoro, entre ellas se encuentran Las crónicas de Narnia y Las aventuras de Alicia en el
    país de las Maravillas de C.S Lewis. El director cogió lo mejor de ambas novelas y,
    creando un mundo alternativo como en la primera y con pequeñas pinceladas, como el
    Gatobús que nos puede recordar al Gato de Chesire, de la segunda, Miyazaki creó la
    película más infantil que posee, hoy día, el Studio Ghibli.
    Sin embargo, el foco central de inspiración de Miyazaki, fue su propia vida. Se
    podría decir que Mi vecino Totoro fue, más bien, un proyecto autobiográfico, en el que
    el autor decidió rescatar fragmentos de su infancia y plasmarlos en forma de película.
    Recuerdos alegres como su gran imaginación con la que podía entretenerse durante
    horas y otros más tristes como los nueve años durante los que su madre sufrió
    tuberculosis espinal, hacen que esta película sea especial para su autor, pues
    representan, nada más y nada menos que su propia vida.
    La película cuenta la historia de dos hermanas que, tras mudarse al campo y con
    su madre enferma en el hospital, descubren, en los alrededores de la casa, unas criaturas
    llamadas “Totoros” y con las que traban una fuerte amistad. Sin embargo, allí no es todo
    paz y una mala interpretación de un telegrama hará que el mundo de las pequeñas se
    desmorone por completo

    LA PAZ DEL CAMPO
    Como en muchas de las películas de Miyazaki, la naturaleza vuelve a estar muy
    presente en Mi vecino Totoro, y el director pone toda la atención en los pequeños
    detalles y nos enseña a apreciarlos. Cuando las dos pequeñas llegan a su nueva casa en
    el campo reparan en cada planta, piedra y riachuelo que se les cruza por delante,
    desbordando la alegría propia de un niño.
    “-Satsuki: ¡Mei, mira qué bonito!
    -Mei: ¡Vaaaya!
    -Satsuki: ¡Hay pececitos! ¡Es precioso papá!
    […]
    -Satsuki: Mei, mira eso.
    -Mei: ¿Qué?
    -Satsuki: Ahí arriba, es un árbol enorme. ¡Papá mira ese árbol!
    -Padre: Es un alcanforero.”
    En este corto diálogo, podemos ver que el entorno al que se han mudado es ideal
    para una infancia de descubrimientos e incursiones entre matorrales, podemos ver el
    paisaje que Miyazaki traslada directamente desde su niñez.
    Asimismo, a través de Nanny, la vecina de la familia, podemos observar la rutina
    de la vida en el campo, y como en verano, junto a las niñas, recoge la cosecha y
    disfrutan de su sabor después de haberlas cuidado durante meses de duro trabajo.

    UNA MADUREZ IMPUESTA
    Así como Mei goza de la libertad de ser una niña y actuar como tal, Satsuki no
    tiene esa ventaja, y debido a la hospitalización de su madre, se ha visto obligada a
    adoptar el papel de esta. Su padre, un prestigioso profesor de Arqueología en la
    Universidad de Tokio, un hombre cariñoso y espontaneo, no para mucho por casa y su
    carácter despistado y distraído, hace que una cosa como la educación de Mei recaiga
    directamente sobre Satsuki. La mayor de las hermanas ha sufrido un proceso de
    maduración muy rápido debido a las circunstancias, y aunque durante el film, en
    muchas ocasiones nos deja ver su parte más infantil, en lo que a responsabilidad se
    refiere, la pequeña niña da mucho de sí. Aunque muchas veces Satsuki parece cómoda
    con el papel que desempeña en la familia, la ausencia de su madre le ha afectado mucho
    y, en una edad crucial donde el cariño de una madre puede significar mucho, el
    telegrama que recibe nos hará ver el dolor latente que siente por la enfermedad de su
    madre. Y es aquí donde Totoro desempeña su papel principal, mantener la ilusión de las
    hermanas y hacerles “olvidar” de alguna manera y por un momento que su madre se
    encuentra enferma en el hospital.

    LOS LÍMITES DE LA MAGIA
    La primera en encontrar a Totoro será Mei: «Primero vi uno pequeño, luego otro
    más grande y luego uno enooooorme que estaba durmiendo» y aunque en el momento
    en el que la pequeña quiere enseñárselo a su familia no aparecerá, no dejará de hablar de
    él. Más tarde se le presentará a Satsuki en la parada del autobús donde conocerá también
    el peculiar transporte que usan los Totoros para desplazarse: El Gatobús.
    Con este último hecho, las dos niñas podrán compartir esa ilusión, que en un
    principio solo Mei tenía, de haber
    visto a Totoro y compartirlo con su
    madre a través de cartas.
    Los actos de Totoro nos
    mostrarán su lado más tierno, las
    semillas que les da a las dos niñas en
    agradecimiento por el paraguas y el baile alrededor de estas para hacerlas crecer. Pero el
    último gesto que Totoro hará antes de desaparecer por completo, la ayuda que le
    prestará a Satsuki para encontrar a su hermana, «Totoro, Mei se ha perdido, la he
    buscado por todas partes, pero no consigo encontrarla. Por favor tienes que ayudarme,
    seguramente se encontrará muy sola. Totoro, tengo miedo», será el que marque
    verdaderamente el buen corazón del espíritu del bosque.

    CURIOSIDADES
    En los primeros bocetos de Miyazaki no eran dos sino una sola niña que venía a
    ser una mezcla de ambas: una versión de Satsuki con el peinado de Mei. Aunque
    finalmente se optó por utilizar a dos hermanas, una más pequeña y otra mayor, se siguió
    utilizando el cartel promocional de la parada de autobús de la chica original.
    El nombre de las dos niñas hace referencia al mes de mayo. Mei, una versión de
    la palabra inglesa “May”, mientras que Satsuki, era el nombre que recibía antiguamente
    el quinto mes en Japón.
    El personaje de Totoro ha aparecido en muchas películas y series animadas. En
    2010, un peluche Totoro apareció en la habitación de Bonnie en Toy Story 3.
    Como ultima curiosidad, en 2005, para la Exposición Universal de Aichi se
    construyó una réplica de la casa de la familia Kasukabe. Tras la exposición, el fin era
    desmantelarla, pero debido a su popularidad, se trasladó a otro emplazamiento donde
    aún hoy puede ser visitada.

    FUENTE: edubcn.cat

    SEGUIR LEYENDO
    El folclore y la mitología japonesa en las películas del Studio Ghibli

    Ghibli: Mi vecino Totoro y su Leyenda Urbana


  26. Los siguientes 15 usuarios agradecen a sanfulgencio por este tema:


  27. #14
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    Hola a todos/as:

    Espectacular, amigo, sanfulgencio, el texto, resume perfectamente la época y como estaba Japón a nivel de cine y de posguerra e igual para el resto, del planeta sobre todo EEUU.- Me alegra, estar en un proyecto, que seguro, puede agradar a todo el foro, pero lo mejor, es que alguién descubrirá cine, que parecía olvidado.-

    Gracias Miles.-

    SALUDOS ALBANO23.-

    NO HAY FILME MALO SINO CRÍTICOS OBTUSOS

  28. Los siguientes 5 usuarios agradecen a albano23 por este tema:


  29. #15
    Cinturón Amarillo Avatar de GATOQSECOMIO
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    gran proyecto q tienes aqui, gracias.

    Sobre la película : vivir / Ikiru, técnicamente es un clásico, claro esta, pero los temas q toca son siempre afines a la naturaleza humana, forzando a re-visitar la obra una y otra vez; vendría a ser mas como un "clásico incorruptible". Son de las pocas obras q solo con la imagen de su ambientación vertiginosa (a veces) y deprimente (otras) logra q el espectador experimente el fenómeno del tiempo, no matemático sino vivo (propio del sujeto existente).
    Vamos q la selección de obras de cine clásico empieza fuerte!
    RapaPobre!

  30. Los siguientes usuarios agradecen a GATOQSECOMIO por este tema:


  31. #16
    Colaboradora de la Zona de Carátulas Asia-Team Avatar de Kijutsu
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    @sanfulgencio me ha encantado como quedó gracias por situarnos históricamente con el filme, que es un obligado a ver ya que el ojo de Kurosawa siempre transmitió innumerables sentimientos.

    Amigo @albano23 mil gracias por tus siempre atinados y buenísimas críticas que nos hace pensar.


  32. Los siguientes 3 usuarios agradecen a Kijutsu por este tema:


  33. #17
    Super Moderador Avatar de Elli
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    Muchísimas gracias por todo, por el proyecto general @sanfulgencio, por la extensa crítica @albano23, por la carátula @Kijutsu, por la versión ligera para llegar a más gente @perrosoy.
    Gracias por darme la oportunidad de verla, solo la conocía de los listados de películas de Kurosawa y quizá sin este "Clásico del mes" no la hubiera visto. Es hermosa, es puro cine, es perdurable, te hace sentir, pensar y emocionarte.

  34. Los siguientes 4 usuarios agradecen a Elli por este tema:


  35. #18
    Colaborador Asia-Team Avatar de perrosoy
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    Yo creo que se emitió alguna noche en tve2 hace mucho años,muy dura pelicula y un tema poco tratado en Japón que suelen ser muy cerrados para expresar sentimientos y no quieren contar un tema tan duro ni a la familia,para que no lo pase mal

  36. Los siguientes usuarios agradecen a perrosoy por este tema:

     chus

  37. #19
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    Hola a todos/as:

    Amiga Elli: Gracias por tus letrtas.- Y totalmente cierto, lo que comentas, de la película. A Kurosawa, con respeto, en occidente, se le conoce mucho, por las películas de Samurais, pero este genio, hizo de todo, y una clara muestra, es esta delicia, que es Ikiru.
    Amigo, perrosoy: Si se emitió, en La 2, en concreto en "Que grande es el cine", de Jose Luis Garcí, que a pesar, para mi, ser un pedante de tomo y lomo, su programa, si era hablar de cine, y comentar sus películas, muchas cadenas, deberían visionar, los coloquios, que habian tras el filme o las introducciones, no se debajan temas por tratar, tanto guión, como anécdotas etc. Y también era grande, por los críticos o expertos que llevaba, que si bien eran amigos suyos, sabian, de lo que hablaban. Ese programa emitio, eso si dobladas al castellano, genialidades, como Las hermanas Munekata, Los 7 samurais, esta misma Ikiru, y hasta algunas de Kitano.

    Con respecto, al tema tratado, de los sentimientos, coincido contigo, son de este tipo de personas, que aquí llamamos, que se lo guardan todo para si, sin mostrar nada al exterior.

    Gracias Miles.-

    SALUDOS ALBANO23.-

  38. Los siguientes 3 usuarios agradecen a albano23 por este tema:


  39. #20
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    Hola a todos/as:

    Maravillosa In the mood for love, no dejéis de verla. Y pasaros por carátulas, a agradecer, os gustarán.-

    Gracias Miles.-

    SALUDOS ALBANO23.-

  40. Los siguientes 4 usuarios agradecen a albano23 por este tema:


  41. #21
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    in the mood for love esta entre mis peliculas favoritas. No hay pelicula del director que no me guste.

  42. #22
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    Predeterminado

    Hola a todos/as:

    Amigo, sanfulgencio, gran añadido, para el filme de Wu Zeitan, que yo más bien poco conocía de ello.- Enhorabuena, ahora, sólo, han de visionarla y pasar un buen rato y de paso, si se interesan, por el personaje histórico, mejor que mejor.- El saber no ocupa lugar.- Nos vemos en el Clásico de Abril.-

    Gracias Miles.-

    SALUDOS ALBANO23.-

  43. Los siguientes usuarios agradecen a albano23 por este tema:

     chus

  44. #23
    Cinturón Amarillo Avatar de Yasujiro_Kurosa
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    Ya estoy deseoso de descubrir los títulos de los próximos meses, a ver si cae algún Mizoguchi que para mí es asignatura obligatoria La película china no la he visto pero las otras dos las tengo en un altar personal, especialmente Ikiru. Esa maravilla de Kurosawa es idónea para aquellos que consideran el cine asiático algo raro, aburrido y "de chinos" como dijeron en una ocasión en el citado programa garciano. Quienes la vean descubrirán que todos los seres humanos tienen sus semejanzas más allá de las diferencias culturales. Una joya.

    De In the mood for love me encanta la banda sonora y la increíble belleza de las imágenes que consigue su director. Es una gran película pero sin duda me quedo con la anterior.

  45. Los siguientes 2 usuarios agradecen a Yasujiro_Kurosa por este tema:


  46. #24
    Colaboradora de la Zona de Carátulas Asia-Team Avatar de Kijutsu
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    Muchas gracias @sanfulgencio por la cita histórica de la época, una verdadera maravilla, colocarnos con todos los acontecimientos políticos, culturales... nos sirve para detallar aún más el filme y en mi caso disfrutarla más. Y contigo @albano23, nos confirmas y además nos desmenuzas de un modo muy interesante el filme, muchas gracias a los dos por sus continuos aportes de cine

  47. Los siguientes 3 usuarios agradecen a Kijutsu por este tema:


  48. #25
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    Hola a todos/as:

    Como siempre amigo, Sanfulgencio, un gran texto, para completar, el pack, del clásico, de verdad, que te sales.- Muy interesante, todo lo de Itami, de verdad, que fue un personaje, yo animo, a que vean, todo, lo que hay del director, no es mucho, y casi todas están acá en AT, yo en su día me baje el pack, de Zona Torrent, que hizo, nuestro sensei Davidn33, y valen mucho la pena, Taxing Woman I Y II, son de obligado visionado, como el Funeral y otras tantas, incluyendo esta Tampopo.

    Nos vemos en el próximo mes, con otro clásico, no dejen de venir, que les sorprenderemos para bien.-

    Postdata:

    No conocía el dato, de que fue el coronel Shiba Japonés, de 55 Dias en Pekin (Que horror, por cierto vean, la versión Rebellion of Boxer, acá en AT, que va de lo mismo y es infinitamente mejor), en fin, Itami, fue genio y figura, hasta la sepultura.-

    Gracias Miles.-

    SALUDOS ALBANO23,-

  49. Los siguientes 2 usuarios agradecen a albano23 por este tema:


  50. #26
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    Predeterminado

    Hola a todos/as:

    Como es habitual, un gran texto explicativo y sencillo, para ver que más nos cuenta el filme.- Enhorabuena compañero y amigo sanfulgencio.- Aunque del texto, expuesto, discrepo en un aspecto. Corea del Norte, no es que sea atea o se obligue a la gente a serlo, sino que las religiones están respetadas, si uno tiene interés, puede encontrar hasta sinagogas en Korea del Norte. Veánla, les va encantar. Ya estamos pensando en Junio, a ver que nos sale.- Participen, dando su opinión, proponiendo y claro esta visionando las producciones.-

    Gracias Miles.-

    SALUDOS ALBANO23.-

  51. Los siguientes 2 usuarios agradecen a albano23 por este tema:

     chus,  Kijutsu

  52. #27
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    En un lugar de mi videoteca tengo a Ikiru y Rashomon, 7 Samuráis. Cada tanto que puedo las vuelvo a ver, son como el vino que con el tiempo mejoran. Gracias por los contextos de cada una de las películas que aparecen acá. Quedo en espera de las próximas a publicar.

  53. #28
    Super Moderador Avatar de Elli
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    Muy interesante el texto sobre Come, come. Muchas gracias por todo el trabajo y por recordarnos estas joyas escondidas, y gracias también por la carátula!!!

  54. Los siguientes 2 usuarios agradecen a Elli por este tema:


  55. #29
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    Hola a todos/as:

    Que bien, quedo este clásico de Junio, amigo sanfulgencio, siempre acompañado de un buen artículo, en este caso muy acertado, Lo único, que puedo decir, que es ya visione, la obra de Mcarey, y si os gusto, la de Ozu, esta os va encantar. De hecho, porque digo esto, pues por lo siguiente:

    "Ozu y el guionista Kogo Noda escribieron el guion en 103 días, y se basó, levemente, en la película americana Dejad paso al mañana de 1937, dirigido por Leo McCarey . Fue Noda quién sugirió la adaptación de la película, ya que Ozu aún no la había visto.".*

    Leo McCarey, es un genio olvidado en Hollywood, pero simplemente, por "Dejad Paso al Mañana", debe estar, en toda cinemateca, de todo cinefalo, que se precie de serlo. De hecho hizo, un gran clásico de los hermanos Marx, y que me fascina, "Sopa de Ganso", y que incluye la escena mítica e inimitable del "Camarote", después, hizo Love Affair y su revision An Affair to Remenber, o adapto, la obra anticomunista de Pearl S. Buck, "Satan Never Sleeps", entre otras.

    Nos vemos, en Julio, mi mes de cumpleaños (el 14, es el día), a ver con que podemos salir, no me importa que escojamos, lo importante, es que lo disfrutemos y lo comentemos.-

    *Fuente Wikipedia Española.

    Link: https://es.wikipedia.org/wiki/Tōkyō_monogatari

    Gracias Miles.-

    SALUDOS ALBANO23.-

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  57. #30
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    Predeterminado

    Este mes casi no llegamos....entre las vacaciones , la calor , las ganas de no hacer nada y la familia...hemos estado más liado que una momia en una tienda de vendas !!!!
    Pero ya tenemos publicado el Clásico del Mes !!! O mejor dicho , los TRES Clásicos del Mes !!!
    Y hemos intentado sumar TRES en UNO ...o más !!!
    Era el cumple de albano23 este mes y queríamos haberle hecho algo especial...pues toma !!!
    El compi pazguaton se curro los subtítulos de DOS películas de el Hombe invisible "a la japonesa" y se merecía algo especial...pues toma!!!
    Teníamos que hacer, por haber pasado el "meridiano", algo especial...pues toma!!!!
    Y a quedado así !!!

    Gracias a perrosoy como siempre por sus IMPAGABLES DD´s que nos hace un mundo !!!
    Espero que Kijutsu pueda resolver los "problemillas tecnicos con phptobuket" y nos pueda regalar otras de sus INCREIBLES portadas !!!
    Y el MES que viene MORE AND MORE!!!

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     albano23,  chus,  Elli,  Kijutsu

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